El rey Felipe V, llegado al trono tras una guerra, buscaba congraciarse con sus súbditos y accedió a crear en 1711 una Real Biblioteca de carácter público con fondos incautados a sus rivales
• Trescientos años de archivo universal
• Así será el 300º cumpleaños de la Biblioteca Nacional
• FOTOGALERÍA Tesoros de tres siglos de historia
EL PAÍS, TEREIXA CONSTENLA Madrid, 18Ene12 - 19:40 CET
Felipe V era más devoto de las cartas –entiéndase: sota, caballo, rey– que de los libros. También era el duque de Anjou, un francés reinando sobre españoles tras una guerra larguísima que en puridad aún no había concluido (1701-1713). En 1711, por tanto, estaba dispuesto a coger al vuelo todas las propuestas que contribuyesen a afianzar su imagen entre sus nuevos súbditos. Su confesor, el jesuita Pierre Robinet, le sugirió una: crear una Real Biblioteca con los fondos que el rey había traído de Francia (6.000 volúmenes), los acumulados por los Habsburgo (otros 2.000) y los incautados a los perdedores de la Guerra de Sucesión. La gran osadía que Robinet defendió ante el monarca fue el carácter público de la biblioteca. En fin… pública a la manera de 1711: cerrada a mujeres (no accedieron hasta 1837, la primera fue Antonia Gutiérrez Bueno, autora de un Diccionario histórico y biográfico de mujeres célebres) y menesterosos. Pública para estudiosos y eruditos de los círculos cortesanos.
Se abrió en un pasillo cerca de las cocinas del Alcázar Real, con Robinet como primer director y con plagas de ratones cada dos por tres. Y dado que la financiación de las cosas públicas es un quebradero en cualquier época –con la dudosamente honrosa excepción de los años del imperio y su sistemático saqueo de las colonias–, Robinet también se ocupó de dar con la fuente del dinero. Según José Manuel Lucía Megías, catedrático de la Universidad Complutense y comisario de la exposición de la BNE 300 años haciendo historia, para costear su proyecto al confesor del rey se le ocurrió recurrir a los impuestos sobre algo muy querido por el monarca: las cartas. También aquí se salió con la suya: en el Real Decreto fundacional de 1716 se le asigna un presupuesto de 8.000 pesos anuales procedentes de los impuestos sobre tabaco y naipes.
Gracias a esa manía de los vencedores de despojar a los vencidos de gloria y bienes, en 1715 la Real Biblioteca ya contaba con 28.242 libros impresos, 1.282 manuscritos y 20.000 medallas. “Los partidarios de Carlos, archiduque de Austria, vieron cómo sus bibliotecas eran trasladadas a Madrid y casi todos ellos terminaron sus días en el exilio, desposeídos de tierras y títulos, por lo que perder sus libros seguramente fue la menor de sus preocupaciones”, escribe Javier Pavía Fernández, en el blog de la BNE.
Fondos incautados
Entre esos fondos incautados figuraron los del duque de Uceda, el marques de Mondéjar (propietario de 5.903 libros, entre ellos el Beato de Fernando I), el duque de Terranova o el arzobispo de Valencia, Folch de Cardona, cuya biblioteca fue devuelta a un convento que posteriormente la vendió a la Biblioteca Nacional de Viena.
En aquellos años de arranque hubo también otras vías más elegantes que engrosaron el depósito: compras y donaciones. Y a partir del 26 de julio de 1716 entra en vigor algo que sigue vigente y que es el manantial que ha nutrido la vastísima colección que atesora hoy la BNE (30 millones de documentos): el depósito legal. Un real decreto de Felipe V estableció: “De todas las impresiones nuevas que se hicieren en mis dominios, se haya de colocar en ella un ejemplar del tomo o tomos de la Facultad que trataren, encuadernados y en toda forma en la misma que se practica dar a los del Consejo; colocándose también en dicha Biblioteca todos los libros y demás impresiones que se hubieren dado a la estampa desde el año 1711, en que tuvo principio esta Biblioteca”. Una ley que fue modificada el 30 de julio de 2011 para incorporar “los documentos electrónicos en cualquier soporte, que el estado de la técnica permita en cada momento, y que no sean accesible libremente a través de Internet” y “los sitios web fijables o registrables cuyo contenido pueda variar en el tiempo y sea susceptible de ser copiado en un momento dado”. ¿Habrá que modificar el depósito legal dentro de tres siglos? ¿Se atreven a imaginar cuántos documentos almacenará la BNEde 2311?
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jueves, 19 de enero de 2012
miércoles, 30 de noviembre de 2011
GOETHE Y LA DEUDA GRIEGA: WEIMAR 1803-2011
LA VANGUARDIA, CULTURA.- ANTONIO MARÍ, 30NOV11
Goethe fue de los primeros en reconocer a Grecia como modelo para una Alemania utópica. Los alemanes no buscan la imitación de esculturas y templos griegos, sino el espíritu que los hizo posibles | La asimilación griega incidió de forma decisiva en todos los aspectos de la nación germana | En 1953, veintidós países, Grecia incluida, perdonaron la mitad de una deuda insostenible para Alemania.
La presión a Grecia es hoy una renuncia a los valores helénicos que hicieron de Alemania un país moderno.
Grecia aparece últimamente como responsable de los males de Europa, y el dedo acusador se levanta a menudo desde Alemania. Pero Europa y la moderna Alemania se forjaron sobre los valores helénicos. ¡Quién sabe si Goethe no pediría hoy el perdón de la deuda griega, como los griegos perdonaron, tras la guerra, la deuda alemana!
En la pintura mural Weimar 1803 Otto Knille retrató a la sociedad literaria más conspicua de la ciudad. En el centro de la imagen un busto de Homero de considerables dimensiones con el consejero áulico Goethe que apoya su brazo derecho sobre la escultura. La derecha del mural –que tiene gran peso compositivo– está ocupada por Schiller, que lo observa todo desde la distancia; alrededor, los hermanos Humboldt, Wieland, Schleiermacher, Herder, Gauss, Wilhelm Schlegel, Klinger, Tieck, Jean- Paul, Pestalozzi… acompañados por Terpsícore, musa de la danza y el canto coral.
Weimar 1803 fue realizado en 1884 como una idealización de los representantes de la aristocracia del espíritu de la ciudad más ilustre del territorio germano. Aunque no estaban instalados en ella, hubieran podido pasar por allí Hegel, Hölderlin, Schelling, Fichte, el menor de los hermanos Schlegel y Kant, aunque era mayor –moriría al año siguiente– y no estaría dispuesto para el paseo.
Puede parecer extravagante que la figura de Homero recoja bajo su presencia autoritaria a tantos de los mejores alemanes, pero no lo es. Goethe, que está junto a él, fue de los primeros en reconocer a Grecia como el modelo para una Alemania utópica que habría de esperar más de setenta años para ver su unificación. Ya en Werther (1774) Homero canta canciones de cuna al melancólico muchacho y esos lieder son el único consuelo para sus penas. Años más tarde, Schiller identificaría a Goethe con Homero por su elegancia ingenua y su realismo.
Goethe descubrió Grecia en los libros de J.J. Winckelmann Reflexiones sobre la imitación de las obras griegas en la pintura y la escultura (1755) y la Historia del arte en la antigüedad (1764), y aunque el historiador nunca llegó a Grecia, pudo deducir de las copias romanas todas las cualidades estéticas, físicas y ontológicas de los griegos; cualidades que podrían resumirse en “una noble simplicidad y una serena belleza”.
Winckelmann describía las esculturas –la del Apolo de Belvedere, el Laocoonte, las tres Vestales, etcétera– con imágenes minuciosas y sensuales y las exponía como ejemplo de un ideal en que la materia y el espíritu se identifican en la belleza del cuerpo humano.
Esta declaración de principios tuvo unas consecuencias imprevisibles en un país donde la sensualidad era una perversión del alma bella que debía renunciar a los sentidos para llegar a la transparencia de la pureza: la mística y el pietismo protestante renegaban de la carne. La reivindicación de la estética griega era la reivindicación del hombre, de su cuerpo, de sus sentidos y del placer, del gozo íntimo y propio con uno mismo.
Para Winckelmann este gozo lo provoca la experiencia estética que reconoce que estas obras son el fruto de la civilización y la expresión de un sistema político que sólo es posible gracias a la libertad. Es muy explícito: “Desde el punto de vista de la constitución y del gobierno de Grecia, es la libertad la principal causa del lugar eminente del arte (...). La manera de pensar de los griegos ha sido muy diferente de la que tienen los pueblos dominados. Herodoto muestra cómo la libertad ha sido la razón de la potencia y la grandeza sobre las que reposa Atenas (...). Es gracias a la libertad que el espíritu del pueblo entero se eleva como una noble rama que brota de un tronco robusto.”
Es perfectamente imaginable el efecto detonante que debió ejercer entre la aristocracia espiritual alemana la idea que el arte surge de la libertad, y que la libertad sólo puede brotar de un pueblo y de un gobierno libres. La supuesta imitación de los griegos no debía ser una copia ruda y servil de las esculturas y los templos; lo que se debía imitar era el espíritu que los hizo posibles. Eran la emulación y el estímulo griegos los que harían que surgiera y se consolidara en Alemania un arte propio y se descubrieran los principios del arte, que sólo puede practicar un hombre libre en un pueblo libre.
Belleza y libertad es lo que ofrece Grecia. Sin embargo Alemania se siente inválida y anacrónica, sin una tradición sobre la que construir los preceptos griegos y sin una idea común que los ponga en práctica. Tal responsabilidad no la pueden arrogar ni políticos ni administradores, sólo pueden proponerlo y realizarlo los humanistas, los que asimilaron de un modo íntimo y propio el espíritu griego, el único capaz de armonizar la cultura con la naturaleza.
La paideia griega –la educación que ilustra los valores humanos y enseña a ser ciudadanos– es el gran proyecto alemán para que el país adquiera los principios fundamentales del hombre y que se adquieren con la formación. La educación y la enseñanza empiezan por el conocimiento y el dominio de la lengua, la alemana y la griega; después, la expresión oral, que responde a la necesidad de discutir, persuadir y dirimir cualquier cuestión; finalmente, las ciencias puras –la matemática y la filosofía–, disciplinas que preparan para la objetividad crítica, necesaria para cualquier legislador de sí mismo y de los demás.
El ámbito cultural alemán, desde los últimos años del siglo XVIII, tuvo como referente nada más que lo griego. Los términos lyceum, gymnasium, athenäum, elysium sustituyeron a los originales germanos. Las revistas Die Propyläen. Die Horen y Thalia proponían una renovación germana desde presupuestos helenos. Goethe, publicaba los dramas Sócrates yPrometeo, Ifigenia, Pandora, Aquiles, el poema Ganímedes y tantos otros eran testimonios de una nostalgia ontológica que había que recuperar. Los estudios de griego y latín fueron obligatorios en todos los liceos, una exigencia que se mantuvo casi hasta ahora mismo.
Goethe y Schiller, con dos temperamentos distintos, dos concepciones de la vida y del arte radicalmente opuestas, tenían en común la confianza en que Alemania aprendería de la sabiduría griega y llegaría a ser una nación. Ellos fueron los primeros helenos germánicos que practicaron con el ejemplo: Schiller con la gracia y la dignidad, Goethe con la sensualidad y el pragmatismo. Críticos con la sociedad cultural, se dedicaron a escribir dísticos irónicos, rabiosamente sarcásticos, contra las autoridades y las instituciones, con epigramas a la manera de Marcial; fueron publicados en el Almanaque de las Musas que trastornó a la sociedad cultural y a todos los que habían caído bajo el dardo sardónico y humorístico de la crítica.
El auténtico heleno, sin embargo, es Schiller; Goethe prefiere Roma, sobre todo después de su viaje a Italia donde reconoce sus tendencias científica y hedonista. Schiller, en cambio, se mantiene fiel al espíritu didáctico de la paideia griega y en 1795 publica Cartas sobre la educación estética del hombre, donde propone el valor educativo de la belleza que proporciona armonía y equilibro y orienta al hombre sensual hacia el pensamiento y al intelectual hacia el mundo de los sentidos. El dominio de lo político queda incluido en la educación estética puesto que de la armonía de la belleza se deduce la ley de la comunidad política y ha de equilibrar los instintos opuestos: “Lo que consigue la cultura estética es que el hombre, por naturaleza, pueda hacer por sí mismo lo que quiera, devolviéndole así por completo la libertad de ser lo que ha de ser.” En los Poemas filosóficos afirma que en el acto creador se sintetizan el corazón y el entendimiento, el sentir y el pensar y que crear supone obedecer la propia ley interior, la más alta dignidad del hombre.
Emulado por su maestro Schiller, que le publicó en la revista Thalia un fragmento de Hiperión, Friedrich Hölderlin recogió el testimonio de Grecia y en ella vio una humanidad que por su pureza, eficacia, belleza y alegría estaba próxima a lo divino y se encarnaba en la tierra. Con dolorida nostalgia se absorbe y se identifica con la tradición griega que vivió en unión con las potencias divinas pero que el hombre moderno ha olvidado al separar el mundo entre naturaleza y espíritu, objeto y sujeto, sensibilidad y conciencia. El hen kai pan griego (la unidad de todo) se ha perdido para siempre. Hiperión es el fracaso de la voluntad por levantar al pueblo griego oprimido y esclavo: en el fragor y el torbellino de la lucha, el ideal de humanidad se esfuma, no es el momento todavía de transformar la vida.
En el fragmentario drama La muerte de Empédocles, Hölderlin toma al filósofo que se arrojó al cráter del Etna como símbolo de la misión imposible del poeta moderno y de su fracaso. Empédocles, filósofo, sacerdote, poeta y guerrero, purga su ambición por el saber y su soberbia en un acto de expiación que debe salvar a todos los hombres. Tradujo Edipo rey yAntígona de Sófocles y no pudo cumplir su voluntad de traducir las odas de Pindaro, vivió cuarenta años enajenado. También confiaba en que el ejemplo de Grecia se cumpliría en una Alemania ideal, pero posible.
Íntimo amigo de Hölderlin, estudiantes en el seminario de Tubinga, Hegel compartió la fascinación griega en su juventud y afirmó que le mantenía “el deseo ardiente y doloroso de reencontrar el genio original del pueblo griego” y lo buscó comparando la poesía alemana con la griega. Sin embargo no se limita a comparar dos formas literarias, sino a analizar la esencia del mundo griego y del alemán. Para Hegel, la helenidad se desarrolla en el reino de la presencia, la modernidad en el de la representación. Cuando el poeta griego habla es el mundo luminoso y oscuro el que habla a través de él y su palabra es la palabra de todos, fiel a la presencia de la naturaleza en los actos y decisiones de los hombres. El poeta moderno elabora una imagen, la analiza y vuelve claro y brillante lo que parecía oscuro, su lenguaje no es el de las cosas mismas sino su representación: es una operación de la conciencia que se representa un mundo y considera esencial esta representación.
En su madurez, Hegel renunció al helenismo a pesar de que informa su pensamiento posterior: imaginar la historia universal como manifestación de la razón divina y el proceso de realización de la idea como un proceso dialéctico de la conciencia de la libertad. Al afirmar que todo lo real es racional afirmaba que las tareas primarias de la vida eran el cuidado de los intereses políticos, económicos y científicos, frente a la literatura y la religión, y con ello instauraba el estado moderno. Nietzsche, a su vez, con argumentos griegos, arremetía contra el estado moderno.
La asimilación griega de Alemania incidió de manera decisiva en todos los aspectos de la nación germana, desde la estructura de la lengua, la administración, la política, la enseñanza, la formación, la universidad, los hábitos sociales y la cultura. Y Grecia, a su vez, reconoció el esfuerzo de un país para integrarse en la modernidad: de pasar de un sistema agrario a una sociedad industrial. Ese tránsito abrupto conmocionó el país, puesto que mientras los modos de producción eran industriales y modernos, la estructura de la sociedad seguía siendo medieval. Esta grave situación dio lugar a las dos guerras mundiales que ella misma provocó y sus derrotas tuvieron la dimensión de las razones que las suscitaron.
Al final de la Primera Guerra Mundial, en 1918, Alemania fue obligada en el Tratado de Versalles a indemnizar a sus enemigos. En Weimar había perdido la guerra y la deuda era de 20.000 millones de marcos oro. Esta cifra creció hasta 296.000 millones, que debía de pagar en 42 años. La humillación de la derrota y las consecuencias económicas de la guerra, y de la deuda llevaron al país a una situación límite que, en parte, explica la ascensión del nazismo. Adolf Hitler dejó de pagar la deuda y se enfrascó en la Segunda Guerra Mundial, que perdió otra vez con consecuencias desastrosas.
La situación de la deuda era tan insostenible que en 1953 Alemania pidió a sus acreedores que le perdonaran los pagos. Veintidós países, incluida Grecia, firmaron el Tratado de Londres. Les perdonaron la mitad de los 50.000 millones que debían de la Primera Guerra Mundial y accedieron a que los intereses generados se pagaran cuando Alemania volviera a estar unida. “Para la joven Alemania, aquel gesto supuso una ayuda enorme”, dice Jürgen Kaiser –coordinador de la iniciativa Año para la Condonación de Deuda (Erlassjahr). “El interés de la deuda de aquel entonces es comparable con el que hoy tiene que pagar la propia Grecia.”
La reunificación alemana se materializó el 3 de octubre de 1990. Pero las autoridades alemanas tardaron veintiún años en pagar la deuda. En el 2010 se pagaron 25.000 millones generados por la Primera Guerra Mundial.
Alemania es el país de la comunidad europea que más presiona para que Grecia ajuste sus finanzas, pero algunas voces han recordado a los alemanes que están en deuda con Grecia, por otras muchas razones más que por su condonación. El profesor de historia económica Albrecht Ritschl ha pedido a Berlín que no olvide su pasado, así como el responsable de Erlassjahr, Jürgen Kaiser. Estas iniciativas alemanas piden que se cree la figura de la insolvencia internacional. Erlassjahr reivindica que se tome el Acuerdo de Londres en 1953 como ejemplo. Entonces los griegos permitieron descargar de deuda a Alemania y contribuyeron parcialmente al milagro económico alemán. Hoy, Grecia tiene sobreendeudamiento, pero podría recibir ayuda mediante la condonación parcial de su deuda por parte de Alemania y de otros países como se hizo en 1953. ¿Tanto le urge a Alemania el cobro de Grecia?
Es una paradoja, una falta de memoria, un olvido voluntario, una renuncia a los valores helénicos que transformaron Alemania en un país moderno y en una nación; no únicamente por la decisión de Grecia a condonar la deuda germana, si no por los mismos humanistas alemanes que recogieron el testimonio griego, europeizaron Alemania y procuraron el ejemplo de la democracia de Grecia.
Ese menosprecio de los alemanes es el menosprecio al humanismo de Weimar de 1803.
Goethe fue de los primeros en reconocer a Grecia como modelo para una Alemania utópica. Los alemanes no buscan la imitación de esculturas y templos griegos, sino el espíritu que los hizo posibles | La asimilación griega incidió de forma decisiva en todos los aspectos de la nación germana | En 1953, veintidós países, Grecia incluida, perdonaron la mitad de una deuda insostenible para Alemania.
La presión a Grecia es hoy una renuncia a los valores helénicos que hicieron de Alemania un país moderno.
Grecia aparece últimamente como responsable de los males de Europa, y el dedo acusador se levanta a menudo desde Alemania. Pero Europa y la moderna Alemania se forjaron sobre los valores helénicos. ¡Quién sabe si Goethe no pediría hoy el perdón de la deuda griega, como los griegos perdonaron, tras la guerra, la deuda alemana!
En la pintura mural Weimar 1803 Otto Knille retrató a la sociedad literaria más conspicua de la ciudad. En el centro de la imagen un busto de Homero de considerables dimensiones con el consejero áulico Goethe que apoya su brazo derecho sobre la escultura. La derecha del mural –que tiene gran peso compositivo– está ocupada por Schiller, que lo observa todo desde la distancia; alrededor, los hermanos Humboldt, Wieland, Schleiermacher, Herder, Gauss, Wilhelm Schlegel, Klinger, Tieck, Jean- Paul, Pestalozzi… acompañados por Terpsícore, musa de la danza y el canto coral.
Weimar 1803 fue realizado en 1884 como una idealización de los representantes de la aristocracia del espíritu de la ciudad más ilustre del territorio germano. Aunque no estaban instalados en ella, hubieran podido pasar por allí Hegel, Hölderlin, Schelling, Fichte, el menor de los hermanos Schlegel y Kant, aunque era mayor –moriría al año siguiente– y no estaría dispuesto para el paseo.
Puede parecer extravagante que la figura de Homero recoja bajo su presencia autoritaria a tantos de los mejores alemanes, pero no lo es. Goethe, que está junto a él, fue de los primeros en reconocer a Grecia como el modelo para una Alemania utópica que habría de esperar más de setenta años para ver su unificación. Ya en Werther (1774) Homero canta canciones de cuna al melancólico muchacho y esos lieder son el único consuelo para sus penas. Años más tarde, Schiller identificaría a Goethe con Homero por su elegancia ingenua y su realismo.
Goethe descubrió Grecia en los libros de J.J. Winckelmann Reflexiones sobre la imitación de las obras griegas en la pintura y la escultura (1755) y la Historia del arte en la antigüedad (1764), y aunque el historiador nunca llegó a Grecia, pudo deducir de las copias romanas todas las cualidades estéticas, físicas y ontológicas de los griegos; cualidades que podrían resumirse en “una noble simplicidad y una serena belleza”.
Winckelmann describía las esculturas –la del Apolo de Belvedere, el Laocoonte, las tres Vestales, etcétera– con imágenes minuciosas y sensuales y las exponía como ejemplo de un ideal en que la materia y el espíritu se identifican en la belleza del cuerpo humano.
Esta declaración de principios tuvo unas consecuencias imprevisibles en un país donde la sensualidad era una perversión del alma bella que debía renunciar a los sentidos para llegar a la transparencia de la pureza: la mística y el pietismo protestante renegaban de la carne. La reivindicación de la estética griega era la reivindicación del hombre, de su cuerpo, de sus sentidos y del placer, del gozo íntimo y propio con uno mismo.
Para Winckelmann este gozo lo provoca la experiencia estética que reconoce que estas obras son el fruto de la civilización y la expresión de un sistema político que sólo es posible gracias a la libertad. Es muy explícito: “Desde el punto de vista de la constitución y del gobierno de Grecia, es la libertad la principal causa del lugar eminente del arte (...). La manera de pensar de los griegos ha sido muy diferente de la que tienen los pueblos dominados. Herodoto muestra cómo la libertad ha sido la razón de la potencia y la grandeza sobre las que reposa Atenas (...). Es gracias a la libertad que el espíritu del pueblo entero se eleva como una noble rama que brota de un tronco robusto.”
Es perfectamente imaginable el efecto detonante que debió ejercer entre la aristocracia espiritual alemana la idea que el arte surge de la libertad, y que la libertad sólo puede brotar de un pueblo y de un gobierno libres. La supuesta imitación de los griegos no debía ser una copia ruda y servil de las esculturas y los templos; lo que se debía imitar era el espíritu que los hizo posibles. Eran la emulación y el estímulo griegos los que harían que surgiera y se consolidara en Alemania un arte propio y se descubrieran los principios del arte, que sólo puede practicar un hombre libre en un pueblo libre.
Belleza y libertad es lo que ofrece Grecia. Sin embargo Alemania se siente inválida y anacrónica, sin una tradición sobre la que construir los preceptos griegos y sin una idea común que los ponga en práctica. Tal responsabilidad no la pueden arrogar ni políticos ni administradores, sólo pueden proponerlo y realizarlo los humanistas, los que asimilaron de un modo íntimo y propio el espíritu griego, el único capaz de armonizar la cultura con la naturaleza.
La paideia griega –la educación que ilustra los valores humanos y enseña a ser ciudadanos– es el gran proyecto alemán para que el país adquiera los principios fundamentales del hombre y que se adquieren con la formación. La educación y la enseñanza empiezan por el conocimiento y el dominio de la lengua, la alemana y la griega; después, la expresión oral, que responde a la necesidad de discutir, persuadir y dirimir cualquier cuestión; finalmente, las ciencias puras –la matemática y la filosofía–, disciplinas que preparan para la objetividad crítica, necesaria para cualquier legislador de sí mismo y de los demás.
El ámbito cultural alemán, desde los últimos años del siglo XVIII, tuvo como referente nada más que lo griego. Los términos lyceum, gymnasium, athenäum, elysium sustituyeron a los originales germanos. Las revistas Die Propyläen. Die Horen y Thalia proponían una renovación germana desde presupuestos helenos. Goethe, publicaba los dramas Sócrates yPrometeo, Ifigenia, Pandora, Aquiles, el poema Ganímedes y tantos otros eran testimonios de una nostalgia ontológica que había que recuperar. Los estudios de griego y latín fueron obligatorios en todos los liceos, una exigencia que se mantuvo casi hasta ahora mismo.
Goethe y Schiller, con dos temperamentos distintos, dos concepciones de la vida y del arte radicalmente opuestas, tenían en común la confianza en que Alemania aprendería de la sabiduría griega y llegaría a ser una nación. Ellos fueron los primeros helenos germánicos que practicaron con el ejemplo: Schiller con la gracia y la dignidad, Goethe con la sensualidad y el pragmatismo. Críticos con la sociedad cultural, se dedicaron a escribir dísticos irónicos, rabiosamente sarcásticos, contra las autoridades y las instituciones, con epigramas a la manera de Marcial; fueron publicados en el Almanaque de las Musas que trastornó a la sociedad cultural y a todos los que habían caído bajo el dardo sardónico y humorístico de la crítica.
El auténtico heleno, sin embargo, es Schiller; Goethe prefiere Roma, sobre todo después de su viaje a Italia donde reconoce sus tendencias científica y hedonista. Schiller, en cambio, se mantiene fiel al espíritu didáctico de la paideia griega y en 1795 publica Cartas sobre la educación estética del hombre, donde propone el valor educativo de la belleza que proporciona armonía y equilibro y orienta al hombre sensual hacia el pensamiento y al intelectual hacia el mundo de los sentidos. El dominio de lo político queda incluido en la educación estética puesto que de la armonía de la belleza se deduce la ley de la comunidad política y ha de equilibrar los instintos opuestos: “Lo que consigue la cultura estética es que el hombre, por naturaleza, pueda hacer por sí mismo lo que quiera, devolviéndole así por completo la libertad de ser lo que ha de ser.” En los Poemas filosóficos afirma que en el acto creador se sintetizan el corazón y el entendimiento, el sentir y el pensar y que crear supone obedecer la propia ley interior, la más alta dignidad del hombre.
Emulado por su maestro Schiller, que le publicó en la revista Thalia un fragmento de Hiperión, Friedrich Hölderlin recogió el testimonio de Grecia y en ella vio una humanidad que por su pureza, eficacia, belleza y alegría estaba próxima a lo divino y se encarnaba en la tierra. Con dolorida nostalgia se absorbe y se identifica con la tradición griega que vivió en unión con las potencias divinas pero que el hombre moderno ha olvidado al separar el mundo entre naturaleza y espíritu, objeto y sujeto, sensibilidad y conciencia. El hen kai pan griego (la unidad de todo) se ha perdido para siempre. Hiperión es el fracaso de la voluntad por levantar al pueblo griego oprimido y esclavo: en el fragor y el torbellino de la lucha, el ideal de humanidad se esfuma, no es el momento todavía de transformar la vida.
En el fragmentario drama La muerte de Empédocles, Hölderlin toma al filósofo que se arrojó al cráter del Etna como símbolo de la misión imposible del poeta moderno y de su fracaso. Empédocles, filósofo, sacerdote, poeta y guerrero, purga su ambición por el saber y su soberbia en un acto de expiación que debe salvar a todos los hombres. Tradujo Edipo rey yAntígona de Sófocles y no pudo cumplir su voluntad de traducir las odas de Pindaro, vivió cuarenta años enajenado. También confiaba en que el ejemplo de Grecia se cumpliría en una Alemania ideal, pero posible.
Íntimo amigo de Hölderlin, estudiantes en el seminario de Tubinga, Hegel compartió la fascinación griega en su juventud y afirmó que le mantenía “el deseo ardiente y doloroso de reencontrar el genio original del pueblo griego” y lo buscó comparando la poesía alemana con la griega. Sin embargo no se limita a comparar dos formas literarias, sino a analizar la esencia del mundo griego y del alemán. Para Hegel, la helenidad se desarrolla en el reino de la presencia, la modernidad en el de la representación. Cuando el poeta griego habla es el mundo luminoso y oscuro el que habla a través de él y su palabra es la palabra de todos, fiel a la presencia de la naturaleza en los actos y decisiones de los hombres. El poeta moderno elabora una imagen, la analiza y vuelve claro y brillante lo que parecía oscuro, su lenguaje no es el de las cosas mismas sino su representación: es una operación de la conciencia que se representa un mundo y considera esencial esta representación.
En su madurez, Hegel renunció al helenismo a pesar de que informa su pensamiento posterior: imaginar la historia universal como manifestación de la razón divina y el proceso de realización de la idea como un proceso dialéctico de la conciencia de la libertad. Al afirmar que todo lo real es racional afirmaba que las tareas primarias de la vida eran el cuidado de los intereses políticos, económicos y científicos, frente a la literatura y la religión, y con ello instauraba el estado moderno. Nietzsche, a su vez, con argumentos griegos, arremetía contra el estado moderno.
La asimilación griega de Alemania incidió de manera decisiva en todos los aspectos de la nación germana, desde la estructura de la lengua, la administración, la política, la enseñanza, la formación, la universidad, los hábitos sociales y la cultura. Y Grecia, a su vez, reconoció el esfuerzo de un país para integrarse en la modernidad: de pasar de un sistema agrario a una sociedad industrial. Ese tránsito abrupto conmocionó el país, puesto que mientras los modos de producción eran industriales y modernos, la estructura de la sociedad seguía siendo medieval. Esta grave situación dio lugar a las dos guerras mundiales que ella misma provocó y sus derrotas tuvieron la dimensión de las razones que las suscitaron.
Al final de la Primera Guerra Mundial, en 1918, Alemania fue obligada en el Tratado de Versalles a indemnizar a sus enemigos. En Weimar había perdido la guerra y la deuda era de 20.000 millones de marcos oro. Esta cifra creció hasta 296.000 millones, que debía de pagar en 42 años. La humillación de la derrota y las consecuencias económicas de la guerra, y de la deuda llevaron al país a una situación límite que, en parte, explica la ascensión del nazismo. Adolf Hitler dejó de pagar la deuda y se enfrascó en la Segunda Guerra Mundial, que perdió otra vez con consecuencias desastrosas.
La situación de la deuda era tan insostenible que en 1953 Alemania pidió a sus acreedores que le perdonaran los pagos. Veintidós países, incluida Grecia, firmaron el Tratado de Londres. Les perdonaron la mitad de los 50.000 millones que debían de la Primera Guerra Mundial y accedieron a que los intereses generados se pagaran cuando Alemania volviera a estar unida. “Para la joven Alemania, aquel gesto supuso una ayuda enorme”, dice Jürgen Kaiser –coordinador de la iniciativa Año para la Condonación de Deuda (Erlassjahr). “El interés de la deuda de aquel entonces es comparable con el que hoy tiene que pagar la propia Grecia.”
La reunificación alemana se materializó el 3 de octubre de 1990. Pero las autoridades alemanas tardaron veintiún años en pagar la deuda. En el 2010 se pagaron 25.000 millones generados por la Primera Guerra Mundial.
Alemania es el país de la comunidad europea que más presiona para que Grecia ajuste sus finanzas, pero algunas voces han recordado a los alemanes que están en deuda con Grecia, por otras muchas razones más que por su condonación. El profesor de historia económica Albrecht Ritschl ha pedido a Berlín que no olvide su pasado, así como el responsable de Erlassjahr, Jürgen Kaiser. Estas iniciativas alemanas piden que se cree la figura de la insolvencia internacional. Erlassjahr reivindica que se tome el Acuerdo de Londres en 1953 como ejemplo. Entonces los griegos permitieron descargar de deuda a Alemania y contribuyeron parcialmente al milagro económico alemán. Hoy, Grecia tiene sobreendeudamiento, pero podría recibir ayuda mediante la condonación parcial de su deuda por parte de Alemania y de otros países como se hizo en 1953. ¿Tanto le urge a Alemania el cobro de Grecia?
Es una paradoja, una falta de memoria, un olvido voluntario, una renuncia a los valores helénicos que transformaron Alemania en un país moderno y en una nación; no únicamente por la decisión de Grecia a condonar la deuda germana, si no por los mismos humanistas alemanes que recogieron el testimonio griego, europeizaron Alemania y procuraron el ejemplo de la democracia de Grecia.
Ese menosprecio de los alemanes es el menosprecio al humanismo de Weimar de 1803.
domingo, 27 de noviembre de 2011
EL MARIACHI Y EL FADO, TESOROS UNIVERSALES
EL MUNDO, Madrid, 27Nov11
Un grupo de 13 mariachis irrumpió en la sala de la convención de la UNESCO en Bali al ritmo de 'El son de la negra', una de las melodías más emblemáticas de este género, para celebrar la decisión de los especialistas de incluir esa música mexicana en la Lista de Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad. También ha sido reconocida la equitación de tradición francesa, después de que esta semana se sumaran a la lista las sombras chinas y el ritual de edad de Lovaina.
Interpretación de 'El son de la negra'
Compuesto por música de cuerdas, canto y trompeta, y centrado en la vida en comunidad, el mariachi, a juicio de los especialistas, condensa la identidad mexicana a pesar de que surgió en estados como Jalisco, Nayarit o Michoacán y Colima.
"El mariachi, con el paso del tiempo, se ha ido convirtiendo en algo representativo de todo México", declaró Anna Goycoolea, coordinadora del programa del Patrimonio Inmaterial mexicano y representante de la candidatura en Bali.
La designación del mariachi como patrimonio inmaterial "significa el afianzamiento de este tipo de música y la protección de sus características que corren el peligro de transformarse demasiado, por ser una práctica tan universal y popular", dijo Goycoolea. "Para los mexicanos oír al mariachi es como escuchar el himno nacional, una cuestión de identidad", agregó.
Los grupos musicales mariachis interpretan, además de canciones de su propio género, boleros, rancheras y baladas. "No hay ninguna expresión musical mexicana más difundida por el mundo, y esta universalidad tenía que verse reflejada en la lista de patrimonio inmaterial", indicó el secretario de Cultura de Jalisco, Alejandro Cravioto.
Y añadió que el mariachi acompaña todo el recorrido vital de los mexicanos ya que "está presente desde el bautizo hasta el entierro", y señaló que, junto con la comida, es el único elemento propio que los emigrantes se llevan siempre consigo. También transmitió el compromiso del Gobierno mexicano de proteger y promover los valores culturales del mariachi dentro y fuera del país.
De Amália al mundo
El fado es el estilo musical que mejor encarna el fatalismo portugués. Este género nacido en los barrios humildes de Lisboa y que mediante las ondas de la radio se extendió por Portugal, es habitualmente cantado por un solista acompañado por una guitarra portuguesa y una guitarra acústica.
El alcalde de Lisboa, Antonio Costa, agradeció en la isla indonesia de Bali el reconocimiento a este arte y recurrió a unas palabras del poeta luso Fernando Pessoa para decir que "cuanto más universal sea el fado, más se convertirá en parte de nuestra identidad".
El término fado procede del latín (fatum), con el significado de destino y, a pesar de que sus orígenes no han sido fechados con claridad, los primeros registros de esta expresión se remontan al siglo XIX. Sin embargo, fue en siglo XX que el fado se universalizó gracias a la singular aportación de la cantante Amália Rodrigues (Lisboa, 1920-1999).
La singularidad de Amália, que triunfó en escenarios de medio mundo, contribuyó de manera excepcional al conocimiento del fado fuera de las fronteras portuguesas. Y, precisamente, fue la rasgada voz de Amália cantando "Coração independente" la que culminó la celebración portuguesa en la sala de reuniones del comité de la Unesco en Bali.
México y Portugal han visto reconocidas sus principales tradiciones musicales, el mariachi y el fado, convertidas ya en tesoros universales, como lo es el flamenco desde el año pasado. (NOTA DE CLAVE 88: Y COMO ENTRE OTROS, LO ES EL TANGO RIOPLATENSE DESDE 2009).
Junto a ellas, otras dos tradiciones iberoamericanas: el saber tradicional de los chamanes jaguares del Yuruparí de Colombia y el peregrinaje al santuario del Señor de Qoyllurit'i de Perú.
Un grupo de 13 mariachis irrumpió en la sala de la convención de la UNESCO en Bali al ritmo de 'El son de la negra', una de las melodías más emblemáticas de este género, para celebrar la decisión de los especialistas de incluir esa música mexicana en la Lista de Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad. También ha sido reconocida la equitación de tradición francesa, después de que esta semana se sumaran a la lista las sombras chinas y el ritual de edad de Lovaina.
Interpretación de 'El son de la negra'
Compuesto por música de cuerdas, canto y trompeta, y centrado en la vida en comunidad, el mariachi, a juicio de los especialistas, condensa la identidad mexicana a pesar de que surgió en estados como Jalisco, Nayarit o Michoacán y Colima.
"El mariachi, con el paso del tiempo, se ha ido convirtiendo en algo representativo de todo México", declaró Anna Goycoolea, coordinadora del programa del Patrimonio Inmaterial mexicano y representante de la candidatura en Bali.
La designación del mariachi como patrimonio inmaterial "significa el afianzamiento de este tipo de música y la protección de sus características que corren el peligro de transformarse demasiado, por ser una práctica tan universal y popular", dijo Goycoolea. "Para los mexicanos oír al mariachi es como escuchar el himno nacional, una cuestión de identidad", agregó.
Los grupos musicales mariachis interpretan, además de canciones de su propio género, boleros, rancheras y baladas. "No hay ninguna expresión musical mexicana más difundida por el mundo, y esta universalidad tenía que verse reflejada en la lista de patrimonio inmaterial", indicó el secretario de Cultura de Jalisco, Alejandro Cravioto.
Y añadió que el mariachi acompaña todo el recorrido vital de los mexicanos ya que "está presente desde el bautizo hasta el entierro", y señaló que, junto con la comida, es el único elemento propio que los emigrantes se llevan siempre consigo. También transmitió el compromiso del Gobierno mexicano de proteger y promover los valores culturales del mariachi dentro y fuera del país.
De Amália al mundo
El fado es el estilo musical que mejor encarna el fatalismo portugués. Este género nacido en los barrios humildes de Lisboa y que mediante las ondas de la radio se extendió por Portugal, es habitualmente cantado por un solista acompañado por una guitarra portuguesa y una guitarra acústica.
El alcalde de Lisboa, Antonio Costa, agradeció en la isla indonesia de Bali el reconocimiento a este arte y recurrió a unas palabras del poeta luso Fernando Pessoa para decir que "cuanto más universal sea el fado, más se convertirá en parte de nuestra identidad".
El término fado procede del latín (fatum), con el significado de destino y, a pesar de que sus orígenes no han sido fechados con claridad, los primeros registros de esta expresión se remontan al siglo XIX. Sin embargo, fue en siglo XX que el fado se universalizó gracias a la singular aportación de la cantante Amália Rodrigues (Lisboa, 1920-1999).
La singularidad de Amália, que triunfó en escenarios de medio mundo, contribuyó de manera excepcional al conocimiento del fado fuera de las fronteras portuguesas. Y, precisamente, fue la rasgada voz de Amália cantando "Coração independente" la que culminó la celebración portuguesa en la sala de reuniones del comité de la Unesco en Bali.
Un grupo de 13 mariachis irrumpió en la sala de la convención de la UNESCO en Bali al ritmo de 'El son de la negra', una de las melodías más emblemáticas de este género, para celebrar la decisión de los especialistas de incluir esa música mexicana en la Lista de Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad. También ha sido reconocida la equitación de tradición francesa, después de que esta semana se sumaran a la lista las sombras chinas y el ritual de edad de Lovaina.
Interpretación de 'El son de la negra'
Compuesto por música de cuerdas, canto y trompeta, y centrado en la vida en comunidad, el mariachi, a juicio de los especialistas, condensa la identidad mexicana a pesar de que surgió en estados como Jalisco, Nayarit o Michoacán y Colima.
"El mariachi, con el paso del tiempo, se ha ido convirtiendo en algo representativo de todo México", declaró Anna Goycoolea, coordinadora del programa del Patrimonio Inmaterial mexicano y representante de la candidatura en Bali.
La designación del mariachi como patrimonio inmaterial "significa el afianzamiento de este tipo de música y la protección de sus características que corren el peligro de transformarse demasiado, por ser una práctica tan universal y popular", dijo Goycoolea. "Para los mexicanos oír al mariachi es como escuchar el himno nacional, una cuestión de identidad", agregó.
Los grupos musicales mariachis interpretan, además de canciones de su propio género, boleros, rancheras y baladas. "No hay ninguna expresión musical mexicana más difundida por el mundo, y esta universalidad tenía que verse reflejada en la lista de patrimonio inmaterial", indicó el secretario de Cultura de Jalisco, Alejandro Cravioto.
Y añadió que el mariachi acompaña todo el recorrido vital de los mexicanos ya que "está presente desde el bautizo hasta el entierro", y señaló que, junto con la comida, es el único elemento propio que los emigrantes se llevan siempre consigo. También transmitió el compromiso del Gobierno mexicano de proteger y promover los valores culturales del mariachi dentro y fuera del país.
De Amália al mundo
El fado es el estilo musical que mejor encarna el fatalismo portugués. Este género nacido en los barrios humildes de Lisboa y que mediante las ondas de la radio se extendió por Portugal, es habitualmente cantado por un solista acompañado por una guitarra portuguesa y una guitarra acústica.
El alcalde de Lisboa, Antonio Costa, agradeció en la isla indonesia de Bali el reconocimiento a este arte y recurrió a unas palabras del poeta luso Fernando Pessoa para decir que "cuanto más universal sea el fado, más se convertirá en parte de nuestra identidad".
El término fado procede del latín (fatum), con el significado de destino y, a pesar de que sus orígenes no han sido fechados con claridad, los primeros registros de esta expresión se remontan al siglo XIX. Sin embargo, fue en siglo XX que el fado se universalizó gracias a la singular aportación de la cantante Amália Rodrigues (Lisboa, 1920-1999).
La singularidad de Amália, que triunfó en escenarios de medio mundo, contribuyó de manera excepcional al conocimiento del fado fuera de las fronteras portuguesas. Y, precisamente, fue la rasgada voz de Amália cantando "Coração independente" la que culminó la celebración portuguesa en la sala de reuniones del comité de la Unesco en Bali.
México y Portugal han visto reconocidas sus principales tradiciones musicales, el mariachi y el fado, convertidas ya en tesoros universales, como lo es el flamenco desde el año pasado. (NOTA DE CLAVE 88: Y COMO ENTRE OTROS, LO ES EL TANGO RIOPLATENSE DESDE 2009).
Junto a ellas, otras dos tradiciones iberoamericanas: el saber tradicional de los chamanes jaguares del Yuruparí de Colombia y el peregrinaje al santuario del Señor de Qoyllurit'i de Perú.
Un grupo de 13 mariachis irrumpió en la sala de la convención de la UNESCO en Bali al ritmo de 'El son de la negra', una de las melodías más emblemáticas de este género, para celebrar la decisión de los especialistas de incluir esa música mexicana en la Lista de Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad. También ha sido reconocida la equitación de tradición francesa, después de que esta semana se sumaran a la lista las sombras chinas y el ritual de edad de Lovaina.
Interpretación de 'El son de la negra'
Compuesto por música de cuerdas, canto y trompeta, y centrado en la vida en comunidad, el mariachi, a juicio de los especialistas, condensa la identidad mexicana a pesar de que surgió en estados como Jalisco, Nayarit o Michoacán y Colima.
"El mariachi, con el paso del tiempo, se ha ido convirtiendo en algo representativo de todo México", declaró Anna Goycoolea, coordinadora del programa del Patrimonio Inmaterial mexicano y representante de la candidatura en Bali.
La designación del mariachi como patrimonio inmaterial "significa el afianzamiento de este tipo de música y la protección de sus características que corren el peligro de transformarse demasiado, por ser una práctica tan universal y popular", dijo Goycoolea. "Para los mexicanos oír al mariachi es como escuchar el himno nacional, una cuestión de identidad", agregó.
Los grupos musicales mariachis interpretan, además de canciones de su propio género, boleros, rancheras y baladas. "No hay ninguna expresión musical mexicana más difundida por el mundo, y esta universalidad tenía que verse reflejada en la lista de patrimonio inmaterial", indicó el secretario de Cultura de Jalisco, Alejandro Cravioto.
Y añadió que el mariachi acompaña todo el recorrido vital de los mexicanos ya que "está presente desde el bautizo hasta el entierro", y señaló que, junto con la comida, es el único elemento propio que los emigrantes se llevan siempre consigo. También transmitió el compromiso del Gobierno mexicano de proteger y promover los valores culturales del mariachi dentro y fuera del país.
De Amália al mundo
El fado es el estilo musical que mejor encarna el fatalismo portugués. Este género nacido en los barrios humildes de Lisboa y que mediante las ondas de la radio se extendió por Portugal, es habitualmente cantado por un solista acompañado por una guitarra portuguesa y una guitarra acústica.
El alcalde de Lisboa, Antonio Costa, agradeció en la isla indonesia de Bali el reconocimiento a este arte y recurrió a unas palabras del poeta luso Fernando Pessoa para decir que "cuanto más universal sea el fado, más se convertirá en parte de nuestra identidad".
El término fado procede del latín (fatum), con el significado de destino y, a pesar de que sus orígenes no han sido fechados con claridad, los primeros registros de esta expresión se remontan al siglo XIX. Sin embargo, fue en siglo XX que el fado se universalizó gracias a la singular aportación de la cantante Amália Rodrigues (Lisboa, 1920-1999).
La singularidad de Amália, que triunfó en escenarios de medio mundo, contribuyó de manera excepcional al conocimiento del fado fuera de las fronteras portuguesas. Y, precisamente, fue la rasgada voz de Amália cantando "Coração independente" la que culminó la celebración portuguesa en la sala de reuniones del comité de la Unesco en Bali.
lunes, 24 de mayo de 2010
CON UNA FUNCIÓN DE GALA, EL COLÓN SE REENCUENTRA CON LA MÚSICA Y LA DANZA
Clarín, Buenos Aires, Argentina, 24May10, 21:07 hora argentina.
Más de 2.700 invitados colman la sala en la velada de reapertura. Asisten funcionarios nacionales y extranjeros, artistas y personalidades de la cultura. Antes, una multitud siguió en la calle una proyección en 3D. Es la primera función desde noviembre de 2006.
Foto: )La sala del Colón, minutos antes de recibir a artistas y espectadores. (Prensa GCBA) y 2) el espectáculo montado puertas afuera.
MAS INFORMACION
ANTES DE LA REINAUGURACIÓN, UNA POLÉMICA CON CANAL 7 POR LA EMISIÓN EN DIRECTO
PASARON POR EL COLÓN
Pese a las polémicas que hubo entre el kirchnerismo y el macrismo, el Teatro Colón está de fiesta. Vestido de gala, esta noche se reinaugurará con una función que incluirá la danza de Huemac, de Pascual de Rogatis, el acto tres de El lago de los cisnes, de Piotr Ilich Tchaikovski, y el segundo acto de la ópera La Boheme, de Giacomo Puccini, con dirección escénica de Hugo de Ana.
A la velada asistirán unos 2.700 invitados especiales (funcionarios nacionales, provinciales, comunales y extranjeros, personalidades de la cultura y la farándula, y periodistas). La programación artística contará con el aporte de la Orquesta, el Ballet y los coros estables del Teatro y la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires, y durará alrededor de una hora y media.
De acuerdo a fuentes del Gobierno de la Ciudad, entre las personalidades que confirmaron su presencia se destacan el presidente de la República del Uruguay, José Mujica y el vicepresidente de la Nación, Julio Cobos, además de gobernadores y funcionarios nacionales, que serían recibidos por el propio Macri.
Además, se prevé la presencia de artistas como Teresa Berganza, Julio Bocca, Maximiliano Guerra y Pablo Saraví, entre otros. En cambio, aunque trascendió que por la alfombra roja también pasarán figuras como Mirtha Legrand y Susana Giménez, desde la organización no confirmaron la versión.
Según lo anunciado, alrededor de las 20.30, los acordes del Himno Nacional Argentino le pondrán fin a un silencio que comenzó el 1° de noviembre de 2006, tras un concierto de Mercedes Sosa. Todo será transmitido a través de pantallas gigantes con un novedoso sistema 3D.
Tras la reapertura, el miércoles quedará abierta la temporada lírica 2010, con la puesta de La Bohéme, y continuará con la reinaguración del CETC, con un ciclo de conciertos del pianista Horacio Lavandera, luego de que Ricardo Bartís suspendiera el estreno de su obra The Box, por las dificultades que tenía para trabajar.
martes, 18 de mayo de 2010
LA UNESCO LANZÓ LA BIBLIOTECA DIGITAL MUNDIAL
REALIDAD ALTERNATIVA. UN BLOG POLITICAMENTE INCORECTO, 13Jun2009
http://realidadalternativa.wordpress.com/2009/06/13/la-unesco-lanzo-la-biblioteca-digital-mundial/
Por Israel Bert
Noticiero Digital (31/05/09-9:03pm).- Este sábado, la Unesco lanzó una biblioteca digital mundial que reune mapas, textos, fotos, grabaciones y películas de todos los tiempos. La biblioteca se puede accesar en la siguiente dirección: http://www.wdl.org/
Así lo recoge una nota de Luisa Corradini.
PARIS.- Por primera vez en la historia, la Unesco pondrá hoy en línea una Biblioteca Digital Mundial (BDM), de acceso gratuito, para mostrar y explicar en siete idiomas las joyas y reliquias culturales de todas las bibliotecas del planeta.
“Es la primera iniciativa de envergadura mundial y tiene, sobre todo, carácter patrimonial”, anticipó ayer a LA NACION Abdelaziz Abid, coordinador del proyecto impulsado por la Unesco y otras 32 instituciones. El funcionario tunecino explicó que la BDM no ofrecerá documentos corrientes, sino “con valor de patrimonio, que permitirán apreciar y conocer mejor las culturas del mundo en idiomas diferentes: árabe, chino, inglés, francés, ruso, español y portugués. Pero hay documentos en línea en más de 50 idiomas”.
Tercera biblioteca digital en importancia -después de Google Book Search y el nuevo proyecto europeo, Europeana-, la BDM reunirá material universal invalorable: desde antiguos documentos de caligrafía antigua persa y china hasta los primeros mapas del Nuevo Mundo, pasando por pinturas rupestres africanas que datan de 8000 años a.C. “Entre los documentos más antiguos hay algunos códices precolombinos, gracias a la contribución de México, y los primeros mapas de América, dibujados por Diego Gutiérrez para el rey de España en 1562″, explicó Abid.
Los tesoros incluyen el Hyakumanto darani , un documento en japonés publicado en 764 y considerado el primer texto impreso de la historia; un relato de los aztecas que constituye la primera mención del niño Jesús en el Nuevo Mundo; trabajos de científicos árabes desvelando el misterio del álgebra; huesos utilizados como oráculos y estelas chinas; la Biblia de Gutenberg; antiguas fotos latinoamericanas de la Biblioteca Nacional de Brasil y la célebre Biblia del Diablo, del siglo XIII, de la Biblioteca Nacional de Suecia.
Fácil de navegar
Cada joya de la cultura universal aparece acompañada de una breve explicación de su contenido y su significado. Los documentos fueron escaneados e incorporados en su idioma original, pero las explicaciones aparecen en siete lenguas.
La biblioteca comienza con unos 1200 documentos, pero ha sido pensada para recibir un número ilimitado de textos, grabados, mapas, fotografías e ilustraciones. La idea fue concebida en 2005 por James H. Billington, director de la Biblioteca del Congreso de EE.UU. El objetivo principal de la BDM son los jóvenes.
La Unesco siempre consideró a las bibliotecas la continuación de la escuela. “La escuela prepara a la gente para ir a las bibliotecas, y hoy las bibliotecas se vuelven digitales”, resumió Abid.
El proyecto fue desarrollado por un equipo de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos, con la asistencia técnica de la Biblioteca de Alejandría y la Unesco, que movilizó a sus miembros para entregar contenidos de su patrimonio cultural.
Bibliotecas e instituciones culturales de Brasil, Egipto, China, Francia, Irak, Israel, Japón, Malí, México, Marruecos, Holanda, Qatar, Rusia, Arabia Saudita, Serbia, Eslovaquia, Africa del Sur, Suecia, Uganda, Gran Bretaña y Estados Unidos aportaron contenidos y experiencia. La Unesco confía en firmar contratos de colaboración con unos 60 países más antes de fin de año.
“Los países emergentes quieren ver cómo funciona esto para crear luego bibliotecas digitales nacionales”, destacó Abid. En esos casos, la Unesco “proporcionará ayuda a sus miembros que no tengan medios técnicos o financieros para digitalizar sus fondos”, precisó.
El desarrollo de la BDM costó más de 10 millones de dólares, que fueron financiados por donantes privados. Entre otros, Google, Microsoft, la Fundación Qatar, la Universidad Rey Abdullah de Arabia Saudita y la Corporación Carnegie de Nueva York. Según los expertos, será necesario más dinero a medida que la BDM aumente su caudal de documentos e incluya en esta maravillosa aventura a los países más pobres.
Cómo se accede al sitio global
PARIS. Aunque será presentado oficialmente hoy en la sede de la Unesco, en esta ciudad, la Biblioteca Digital Mundial ya está disponible en Internet, a través del sitio
Cita: http://www.wdl.org/
EL ACCESO ES GRATUITO Y LOS USUARIOS PUEDEN INGRESAR DIRECTAMENTE POR LA WEB, SIN NECESIDAD DE REGISTRARSE.
http://realidadalternativa.wordpress.com/2009/06/13/la-unesco-lanzo-la-biblioteca-digital-mundial/
Por Israel Bert
Noticiero Digital (31/05/09-9:03pm).- Este sábado, la Unesco lanzó una biblioteca digital mundial que reune mapas, textos, fotos, grabaciones y películas de todos los tiempos. La biblioteca se puede accesar en la siguiente dirección: http://www.wdl.org/
Así lo recoge una nota de Luisa Corradini.
PARIS.- Por primera vez en la historia, la Unesco pondrá hoy en línea una Biblioteca Digital Mundial (BDM), de acceso gratuito, para mostrar y explicar en siete idiomas las joyas y reliquias culturales de todas las bibliotecas del planeta.
“Es la primera iniciativa de envergadura mundial y tiene, sobre todo, carácter patrimonial”, anticipó ayer a LA NACION Abdelaziz Abid, coordinador del proyecto impulsado por la Unesco y otras 32 instituciones. El funcionario tunecino explicó que la BDM no ofrecerá documentos corrientes, sino “con valor de patrimonio, que permitirán apreciar y conocer mejor las culturas del mundo en idiomas diferentes: árabe, chino, inglés, francés, ruso, español y portugués. Pero hay documentos en línea en más de 50 idiomas”.
Tercera biblioteca digital en importancia -después de Google Book Search y el nuevo proyecto europeo, Europeana-, la BDM reunirá material universal invalorable: desde antiguos documentos de caligrafía antigua persa y china hasta los primeros mapas del Nuevo Mundo, pasando por pinturas rupestres africanas que datan de 8000 años a.C. “Entre los documentos más antiguos hay algunos códices precolombinos, gracias a la contribución de México, y los primeros mapas de América, dibujados por Diego Gutiérrez para el rey de España en 1562″, explicó Abid.
Los tesoros incluyen el Hyakumanto darani , un documento en japonés publicado en 764 y considerado el primer texto impreso de la historia; un relato de los aztecas que constituye la primera mención del niño Jesús en el Nuevo Mundo; trabajos de científicos árabes desvelando el misterio del álgebra; huesos utilizados como oráculos y estelas chinas; la Biblia de Gutenberg; antiguas fotos latinoamericanas de la Biblioteca Nacional de Brasil y la célebre Biblia del Diablo, del siglo XIII, de la Biblioteca Nacional de Suecia.
Fácil de navegar
Cada joya de la cultura universal aparece acompañada de una breve explicación de su contenido y su significado. Los documentos fueron escaneados e incorporados en su idioma original, pero las explicaciones aparecen en siete lenguas.
La biblioteca comienza con unos 1200 documentos, pero ha sido pensada para recibir un número ilimitado de textos, grabados, mapas, fotografías e ilustraciones. La idea fue concebida en 2005 por James H. Billington, director de la Biblioteca del Congreso de EE.UU. El objetivo principal de la BDM son los jóvenes.
La Unesco siempre consideró a las bibliotecas la continuación de la escuela. “La escuela prepara a la gente para ir a las bibliotecas, y hoy las bibliotecas se vuelven digitales”, resumió Abid.
El proyecto fue desarrollado por un equipo de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos, con la asistencia técnica de la Biblioteca de Alejandría y la Unesco, que movilizó a sus miembros para entregar contenidos de su patrimonio cultural.
Bibliotecas e instituciones culturales de Brasil, Egipto, China, Francia, Irak, Israel, Japón, Malí, México, Marruecos, Holanda, Qatar, Rusia, Arabia Saudita, Serbia, Eslovaquia, Africa del Sur, Suecia, Uganda, Gran Bretaña y Estados Unidos aportaron contenidos y experiencia. La Unesco confía en firmar contratos de colaboración con unos 60 países más antes de fin de año.
“Los países emergentes quieren ver cómo funciona esto para crear luego bibliotecas digitales nacionales”, destacó Abid. En esos casos, la Unesco “proporcionará ayuda a sus miembros que no tengan medios técnicos o financieros para digitalizar sus fondos”, precisó.
El desarrollo de la BDM costó más de 10 millones de dólares, que fueron financiados por donantes privados. Entre otros, Google, Microsoft, la Fundación Qatar, la Universidad Rey Abdullah de Arabia Saudita y la Corporación Carnegie de Nueva York. Según los expertos, será necesario más dinero a medida que la BDM aumente su caudal de documentos e incluya en esta maravillosa aventura a los países más pobres.
Cómo se accede al sitio global
PARIS. Aunque será presentado oficialmente hoy en la sede de la Unesco, en esta ciudad, la Biblioteca Digital Mundial ya está disponible en Internet, a través del sitio
Cita: http://www.wdl.org/
EL ACCESO ES GRATUITO Y LOS USUARIOS PUEDEN INGRESAR DIRECTAMENTE POR LA WEB, SIN NECESIDAD DE REGISTRARSE.
viernes, 7 de mayo de 2010
EL COLÓN VUELVE A BRILLAR
Clarín, Buenos Aires, Argentina, 07May10
Anoche, obreros, arquitectos y funcionarios que trabajaron en la restauración del Teatro, participaron de una función especial. Fue el primer concierto desde noviembre de 2006. Según los expertos, la inigualable acústica de la sala se mantiene intacta.
Por: Daniel Fernández Quinti
"La acústica del Colón está intacta". La frase salió anoche de boca del ingeniero Rafael Sánchez Quintana. El especialista en sonido, mundialmente reconocido, despejaba así las dudas sobre cómo quedaría una de las salas líricas más importantes del mundo tras un trabajoso y profundo proceso de restauración que está terminando por estos días. Un rato después, sobre las ocho, fueron los propios empleados, restauradores, arquitectos y funcionarios los privilegiados testigos de una noche especial: el primer concierto de una orquesta en el escenario que se cerró al público en noviembre de 2006 para la obra de restauración patrimonial más importante de la historia argentina, que costó US$ 100 millones.
Durante el concierto también se hicieron más pruebas acústicas. Sánchez Quintana le explicó a Clarín que "desde el comienzo de los trabajos de restauración de la sala se hicieron 20 mediciones cada vez que se sacaba algún elemento y también cuando se lo volvía a colocar. Las diferencias entre el antes y el ahora que encontramos son tan mínimas que resultan imperceptibles al oído". Los especialistas dicen que las pruebas fueron como ir quitando capas de una cebolla. Midieron, por ejemplo, primero cuando se sacó el telón, luego cuando retiraron las butacas, más tarde al llevarse las cortinas, y así; y volvieron a medir cuando todos y cada uno de esos elementos fueron recolocados, siempre de a uno a la vez. Y lo que celebraban anoche era justamente que la acústica no es mejor ni peor, sino igual a la anterior.
El plan incluyó también una actualización tecnológica y del sistema de seguridad y contra incendios, además de una sala de comando central de teatro.
Y en el ensayo del miércoles a la noche, cuando volvieron a pisar el escenario, los músicos quedaron muy conformes. A la vez, fue emocionante. A la tarde en el Teatro terminaban de habilitar los baños de la planta baja mientras cerca de las cinco llegaba el Jefe de Gobierno, Mauricio Macri, para grabar un spot que se verá tras la inauguración. Un rato antes había estado Horacio Rodríguez Larreta, jefe de Gabinete. "Se cumplió el principal objetivo de la restauración que era no alterar la acústica de la sala, patrimonio de la humanidad", cerró el funcionario.
Y la noche fue una fiesta, si se quiere, más íntima y especial. Sonó la Novena Sinfonía de Beethoven en la orquesta y coro dirigidos por el maestro Carlos Vieu. El concierto arrancó a las 20.15, unos minutos más tarde de que llegaran Macri (que se fue antes del fin de la función), Rodríguez Larreta y los ministros Daniel Chain (Desarrollo Urbano) y Hernán Lombardi (Cultura). La sala estaba colmada, con 50 personas paradas, y todavía se veían andamios arriba, en los sectores de Cazuela y Paraíso.
Dos técnicas en restauración, Patricia Aparicio Bravo y su colaboradora María Inés Foulkes, estuvieron supervisando las tareas en todo el teatro desde 2007. Específicamente en la sala, palcos, antepalcos. "Fue un trabajo sumamente emotivo por las características históricas de la obra, de un valor patrimonial inigualable", dijeron. Anoche midieron la acústica con los instrumentos y las voces sonando, y los resultados, previsibles, se conocerán en los próximos días. Todo para llegar perfecto a la celebración del Bicentenario, en el que la reapertura del Colón será el principal acto de la Ciudad. La arquitecta María del Carmen Albani trabaja desde 2006 en Centro de Experimentación, bajo el Foyer. Y sintetizaba: "lo curioso es que ahora voy a ver la sala principal por primera vez, ya que quise esperar este momento post restauración para tener la sorpresa".
Entre un grupo de cinco obreros de la empresa contratista Dycasa, vestidos de sport, estaban Hugo Condorí y Roque Daniel Maidana. Son oficiales de albañilería que trabajaron en la demolición del antiguo montacargas del escenario y montaron el nuevo; además de rehacer la sala de máquinas. "Es la obra más importante que hicimos en nuestra vida, porque hemos trabajado en cárceles y otros edificios como la Aduana, pero nunca en algo así", contaron. El lunes 24 de mayo, para el Bicentenario, es la gala de la reapertura y dos días más tarde arranca la temporada de ópera.
Informe: Silvia Gómez
Anoche, obreros, arquitectos y funcionarios que trabajaron en la restauración del Teatro, participaron de una función especial. Fue el primer concierto desde noviembre de 2006. Según los expertos, la inigualable acústica de la sala se mantiene intacta.
Por: Daniel Fernández Quinti
"La acústica del Colón está intacta". La frase salió anoche de boca del ingeniero Rafael Sánchez Quintana. El especialista en sonido, mundialmente reconocido, despejaba así las dudas sobre cómo quedaría una de las salas líricas más importantes del mundo tras un trabajoso y profundo proceso de restauración que está terminando por estos días. Un rato después, sobre las ocho, fueron los propios empleados, restauradores, arquitectos y funcionarios los privilegiados testigos de una noche especial: el primer concierto de una orquesta en el escenario que se cerró al público en noviembre de 2006 para la obra de restauración patrimonial más importante de la historia argentina, que costó US$ 100 millones.
Durante el concierto también se hicieron más pruebas acústicas. Sánchez Quintana le explicó a Clarín que "desde el comienzo de los trabajos de restauración de la sala se hicieron 20 mediciones cada vez que se sacaba algún elemento y también cuando se lo volvía a colocar. Las diferencias entre el antes y el ahora que encontramos son tan mínimas que resultan imperceptibles al oído". Los especialistas dicen que las pruebas fueron como ir quitando capas de una cebolla. Midieron, por ejemplo, primero cuando se sacó el telón, luego cuando retiraron las butacas, más tarde al llevarse las cortinas, y así; y volvieron a medir cuando todos y cada uno de esos elementos fueron recolocados, siempre de a uno a la vez. Y lo que celebraban anoche era justamente que la acústica no es mejor ni peor, sino igual a la anterior.
El plan incluyó también una actualización tecnológica y del sistema de seguridad y contra incendios, además de una sala de comando central de teatro.
Y en el ensayo del miércoles a la noche, cuando volvieron a pisar el escenario, los músicos quedaron muy conformes. A la vez, fue emocionante. A la tarde en el Teatro terminaban de habilitar los baños de la planta baja mientras cerca de las cinco llegaba el Jefe de Gobierno, Mauricio Macri, para grabar un spot que se verá tras la inauguración. Un rato antes había estado Horacio Rodríguez Larreta, jefe de Gabinete. "Se cumplió el principal objetivo de la restauración que era no alterar la acústica de la sala, patrimonio de la humanidad", cerró el funcionario.
Y la noche fue una fiesta, si se quiere, más íntima y especial. Sonó la Novena Sinfonía de Beethoven en la orquesta y coro dirigidos por el maestro Carlos Vieu. El concierto arrancó a las 20.15, unos minutos más tarde de que llegaran Macri (que se fue antes del fin de la función), Rodríguez Larreta y los ministros Daniel Chain (Desarrollo Urbano) y Hernán Lombardi (Cultura). La sala estaba colmada, con 50 personas paradas, y todavía se veían andamios arriba, en los sectores de Cazuela y Paraíso.
Dos técnicas en restauración, Patricia Aparicio Bravo y su colaboradora María Inés Foulkes, estuvieron supervisando las tareas en todo el teatro desde 2007. Específicamente en la sala, palcos, antepalcos. "Fue un trabajo sumamente emotivo por las características históricas de la obra, de un valor patrimonial inigualable", dijeron. Anoche midieron la acústica con los instrumentos y las voces sonando, y los resultados, previsibles, se conocerán en los próximos días. Todo para llegar perfecto a la celebración del Bicentenario, en el que la reapertura del Colón será el principal acto de la Ciudad. La arquitecta María del Carmen Albani trabaja desde 2006 en Centro de Experimentación, bajo el Foyer. Y sintetizaba: "lo curioso es que ahora voy a ver la sala principal por primera vez, ya que quise esperar este momento post restauración para tener la sorpresa".
Entre un grupo de cinco obreros de la empresa contratista Dycasa, vestidos de sport, estaban Hugo Condorí y Roque Daniel Maidana. Son oficiales de albañilería que trabajaron en la demolición del antiguo montacargas del escenario y montaron el nuevo; además de rehacer la sala de máquinas. "Es la obra más importante que hicimos en nuestra vida, porque hemos trabajado en cárceles y otros edificios como la Aduana, pero nunca en algo así", contaron. El lunes 24 de mayo, para el Bicentenario, es la gala de la reapertura y dos días más tarde arranca la temporada de ópera.
Informe: Silvia Gómez
viernes, 23 de abril de 2010
BIBLIOTECAS DE ORIENTE MEDIO SE REÚNEN EN CÓRDOBA PARA COORDINAR SUS SISTEMAS
ADN.es, Córdoba, España, 23Abr10
EFE
Nota deClave 88: para más información sobre el mapa de Oriente y sus distintas denominaciones hacer clic aquí.
Los especialistas en bibliotecas, centros de documentación y archivos relacionados con el mundo árabe se reúnen desde hoy en Córdoba en la XXXII conferencia anual MELCom Internacional con el objetivo de coordinar mejor sus sistemas de organización, accesibilidad, tecnología y temática. Esta conferencia internacional, que congrega a profesionales de países como Francia, España, Turquía, Egipto, Reino Unido, Estados Unidos y Argelia que trabajan en centros especializados con materiales en árabe, persa y turco, se ha convertido en un foro de encuentro donde se darán a conocer las últimas tendencias profesionales, los proyectos de colaboración entre distintas instituciones y la formación de colecciones.
La directora general de Casa Árabe en Córdoba, Gema Martín, ha informado en declaraciones a los periodistas de que la Casa Árabe forma parte de esta reunión del MELCom Internacional (Middle East Libraries Comité- Asociación Europea de Bibliotecarios de Oriente Medio) gracias al centro de documentación y mediateca con la que cuenta la Casa Árabe-Instituto Internacional de Estudios Árabes y del Mundo Musulmán (IEAM) y que es una "joya única en toda España". Martín ha destacado que este encuentro, que engloba conocimiento, saber y relaciones internacionales, coloca a Córdoba y a España en el gran mapa internacional y "contribuye a reforzar" esa dimensión internacional e intercultural que caracterizó a la capital cordobesa y "la seguirá caracterizando" durante muchos años más.
Los temas que se van a debatir en el MELCom Internacional están relacionados con el funcionamiento y desarrollo tecnológico de bibliotecas, centros de documentación y mediatecas relacionados con el mundo árabe para tratar de "unificar y conocer" distintas experiencias y "ponerlas al servicio" del conocimiento y del saber. La sesión de trabajo de hoy ha contado con la participación de profesionales del sector bibliotecario pertenecientes a la Universidad de Constantina, de la Academia de las Ciencias de Viena, de la Academia Nacional de las Ciencias de Azerbaiyán, de Londres, Alemania y Francia, además de representantes españoles.
Martín ha lamentado que debido a la erupción del volcán de Islandia y la posterior nube de cenizas que ha invadido el espacio aéreo europeo, a los participantes residentes en dicho continente les ha sido "imposible" venir debido a que los aeropuertos continúan cerrados, lo que ha provocado un descenso del 30 al 40 por ciento en el número de participantes.
Por su parte, el presidente de la Diputación de Córdoba, Francisco Pulido, ha agradecido a la Casa Árabe que convierta a Córdoba en un espacio de "encuentro, diálogo, reflexión e investigación". "Precisamente que la capital cordobesa acoja la 32 conferencia de MELCom Internacional significa que nuestra ciudad retoma lo que fue, esa gran biblioteca y ese gran puente de entendimiento y reflexión entre Oriente y Occidente", ha recalcado el presidente de la Diputación. Los participantes del encuentro anual, el segundo celebrado en España, que visitarán la Mezquita-Catedral y Medina Azahara, concluirán su cita el 22 de abril.
EFE
Nota deClave 88: para más información sobre el mapa de Oriente y sus distintas denominaciones hacer clic aquí.
Los especialistas en bibliotecas, centros de documentación y archivos relacionados con el mundo árabe se reúnen desde hoy en Córdoba en la XXXII conferencia anual MELCom Internacional con el objetivo de coordinar mejor sus sistemas de organización, accesibilidad, tecnología y temática. Esta conferencia internacional, que congrega a profesionales de países como Francia, España, Turquía, Egipto, Reino Unido, Estados Unidos y Argelia que trabajan en centros especializados con materiales en árabe, persa y turco, se ha convertido en un foro de encuentro donde se darán a conocer las últimas tendencias profesionales, los proyectos de colaboración entre distintas instituciones y la formación de colecciones.
La directora general de Casa Árabe en Córdoba, Gema Martín, ha informado en declaraciones a los periodistas de que la Casa Árabe forma parte de esta reunión del MELCom Internacional (Middle East Libraries Comité- Asociación Europea de Bibliotecarios de Oriente Medio) gracias al centro de documentación y mediateca con la que cuenta la Casa Árabe-Instituto Internacional de Estudios Árabes y del Mundo Musulmán (IEAM) y que es una "joya única en toda España". Martín ha destacado que este encuentro, que engloba conocimiento, saber y relaciones internacionales, coloca a Córdoba y a España en el gran mapa internacional y "contribuye a reforzar" esa dimensión internacional e intercultural que caracterizó a la capital cordobesa y "la seguirá caracterizando" durante muchos años más.
Los temas que se van a debatir en el MELCom Internacional están relacionados con el funcionamiento y desarrollo tecnológico de bibliotecas, centros de documentación y mediatecas relacionados con el mundo árabe para tratar de "unificar y conocer" distintas experiencias y "ponerlas al servicio" del conocimiento y del saber. La sesión de trabajo de hoy ha contado con la participación de profesionales del sector bibliotecario pertenecientes a la Universidad de Constantina, de la Academia de las Ciencias de Viena, de la Academia Nacional de las Ciencias de Azerbaiyán, de Londres, Alemania y Francia, además de representantes españoles.
Martín ha lamentado que debido a la erupción del volcán de Islandia y la posterior nube de cenizas que ha invadido el espacio aéreo europeo, a los participantes residentes en dicho continente les ha sido "imposible" venir debido a que los aeropuertos continúan cerrados, lo que ha provocado un descenso del 30 al 40 por ciento en el número de participantes.
Por su parte, el presidente de la Diputación de Córdoba, Francisco Pulido, ha agradecido a la Casa Árabe que convierta a Córdoba en un espacio de "encuentro, diálogo, reflexión e investigación". "Precisamente que la capital cordobesa acoja la 32 conferencia de MELCom Internacional significa que nuestra ciudad retoma lo que fue, esa gran biblioteca y ese gran puente de entendimiento y reflexión entre Oriente y Occidente", ha recalcado el presidente de la Diputación. Los participantes del encuentro anual, el segundo celebrado en España, que visitarán la Mezquita-Catedral y Medina Azahara, concluirán su cita el 22 de abril.
martes, 12 de enero de 2010
PROTECCIÓN OCULAR: EL SECRETO DEL MAQUILLAJE EGIPCIO
El Mundo, Madrid, España, 12Ene10
Un cosmético podría haberse utilizado para prevenir o tratar enfermedades oculares.
Foto: Busto de Nefertiti. (Foto: AFP)
EUROPA PRESS
MADRID.- El llamativo y peculiar maquillaje de ojos que adorna los rostros llegados a nuestros días de la realeza del antiguo Egipto no sólo tenía un papel cosmético. Científicos franceses han descubierto que también era utilizado para prevenir o tratar enfermedades oculares ya que actuaba como desinfectante. Sus hallazgos se publican en el número de enero de la revista 'Analytical Chemistry'.
Los químicos Christian Amatore, Philippe Walter y sus colaboradores del Centro Nacional de Investigación Científica galo (CNRS) han demostrado que hace miles de años los antiguos egipcios usaban sustancias basadas en mineral de plomo como cosméticos, incluido un ingrediente del maquillaje negro para los ojos.
Algunos egipcios pensaban que este maquillaje jugaba una función mágica, en la que los antiguos dioses Horus y Ra protegían a quienes los lucían contra varias enfermedades, pero, hasta el momento, la ciencia no les había dado la razón.
En una investigación previa, los científicos analizaron 52 muestras de maquillaje del antiguo Egipto guardadas en el Museo del Louvre de Paris e identificaron cuatro sustancias diferentes basadas en plomo.
Avanzando un paso más en la investigación, estos autores han demostrado ahora que esas sustancias disparaban la producción de óxido nítrico en un 240% en células de piel cultivadas.
Los científicos indican que el óxido nítrico es una agente señalizador clave en el cuerpo humano. Sus funciones incluyen el refuerzo del sistema inmune para luchar contra la enfermedad. Su papel podría ser importante para hacer frente a las infecciones oculares que, en áreas tropicales como la zona del Nilo, pueden ser un serio problema.
De esta forma, los egipcios antiguos podrían haber utilizado de forma deliberada esos cosméticos para ayudar a prevenir o tratar enfermedades de los ojos, según sugieren los investigadores, que explican que dos de los compuestos examinados no se producen de forma natural y tuvieron que ser sintetizados por los 'químicos' de la época.
Un cosmético podría haberse utilizado para prevenir o tratar enfermedades oculares.
Foto: Busto de Nefertiti. (Foto: AFP)
EUROPA PRESS
MADRID.- El llamativo y peculiar maquillaje de ojos que adorna los rostros llegados a nuestros días de la realeza del antiguo Egipto no sólo tenía un papel cosmético. Científicos franceses han descubierto que también era utilizado para prevenir o tratar enfermedades oculares ya que actuaba como desinfectante. Sus hallazgos se publican en el número de enero de la revista 'Analytical Chemistry'.
Los químicos Christian Amatore, Philippe Walter y sus colaboradores del Centro Nacional de Investigación Científica galo (CNRS) han demostrado que hace miles de años los antiguos egipcios usaban sustancias basadas en mineral de plomo como cosméticos, incluido un ingrediente del maquillaje negro para los ojos.
Algunos egipcios pensaban que este maquillaje jugaba una función mágica, en la que los antiguos dioses Horus y Ra protegían a quienes los lucían contra varias enfermedades, pero, hasta el momento, la ciencia no les había dado la razón.
En una investigación previa, los científicos analizaron 52 muestras de maquillaje del antiguo Egipto guardadas en el Museo del Louvre de Paris e identificaron cuatro sustancias diferentes basadas en plomo.
Avanzando un paso más en la investigación, estos autores han demostrado ahora que esas sustancias disparaban la producción de óxido nítrico en un 240% en células de piel cultivadas.
Los científicos indican que el óxido nítrico es una agente señalizador clave en el cuerpo humano. Sus funciones incluyen el refuerzo del sistema inmune para luchar contra la enfermedad. Su papel podría ser importante para hacer frente a las infecciones oculares que, en áreas tropicales como la zona del Nilo, pueden ser un serio problema.
De esta forma, los egipcios antiguos podrían haber utilizado de forma deliberada esos cosméticos para ayudar a prevenir o tratar enfermedades de los ojos, según sugieren los investigadores, que explican que dos de los compuestos examinados no se producen de forma natural y tuvieron que ser sintetizados por los 'químicos' de la época.
domingo, 10 de enero de 2010
EMVIDIA
La Nación, ADN Cultura, Buenos Aires, Argentina, 09Ene10
Para algunos es un pecado capital; para otros, el combustible de la sociedad moderna. Filósofos, psicólogos, pensadores y novelistas analizan este bajo sentimiento con el que debemos lidiar. Escribe Diana Cohen Agrest. Y además, el crítico y narrador italiano Alessandro Piperno describe con humor cómo funciona la envidia entre escritores y celebridades
Por Diana Cohen Agrest
Para LA NACION - Buenos Aires, 2010
"Tengo envidia de tu sombra / porque está cerca de ti./ Y mira si es grande mi amor, / que cuando digo tu nombre / tengo envidia de mi voz", cantaba lastimosamente José Feliciano. Pero el poder de la envidia trasciende la ilusión romántica. La de Blancanieves, sin ir más lejos, más que una historia de amor, es un relato de venganza, traición y envidia. Y ni hablar de Cenicienta, cercada por mujeres tan carcomidas por la envidia que imponen un obstáculo tras otro en aras de impedir que la de los pies pequeños concurra al baile en el palacio. Y aun si el envenenamiento del genial Mozart por Salieri fuera fantasía pura, la envidia del italiano no es sino una reacción natural a la lotería de la vida: haber nacido en el momento y en el lugar equivocado, dotado con un talento enorme opacado por la genialidad indiscutible de un rival.
Retratada como destructiva, inhibitoria, inútil y dolorosa, la envidia es condenada como uno de los siete pecados capitales. Nadie duda del papel siniestro y abismal de la envidia en la existencia humana. Porque se la suele acusar de irracional, imprudente, viciosa, equivocada. Porque se la considera innata y arrasadora, y se la oculta tras las máscaras de la crítica amarga, la sátira, la injuria, la calumnia, la insinuación pérfida, la compasión fingida y hasta la adulación servil. Y porque se recae en ella, una y otra vez.
Definida como la aflicción vivida por un sujeto cuando siente que no posee algo que su rival sí posee, a propósito de ella Ivonne Bordelois nos enseña en Etimología de las pasiones que in-vidia (de video, vedere, de donde proviene el verbo ver) significa "la mirada penetrante y agresiva de un ojo que, movido por alguna forma de animosidad, antipatía, odio o rivalidad, se hinca enconadamente en el de su enemigo para perforarlo y destruirlo".
Tan compleja de representar en las artes plásticas como fáciles lo son la tristeza, la alegría o el temor, es casi imposible retratar a un personaje con una maestría tan excelsa que, con sólo observar el retrato, se logre percibir en ese rostro al envidioso. Tal vez porque el envidioso no se alimenta de las diferencias reales sino de lo que le devuelve su percepción subjetiva, en tanto y en cuanto sólo ve lo que confirma su envidia.
Pese a su fuerza corrosiva (o tal vez explicable, precisamente, por ella), es la última de las emociones que cualquiera admitiría no sólo ante los demás sino incluso ante sí mismo. El tabú que desalienta toda declaración abierta de envidia es universal, pues se está dispuesto a admitir cualquier otro defecto antes que a reconocer que se es envidioso. Y aun cuando uno es capaz de conceder "envidio tus triunfos" o "envidio tu auto", parecería que sólo nos permitimos confesar esa debilidad cuando las circunstancias y el vínculo con el envidiado, al menos en la versión oficial, excluye la posibilidad de una envidia genuina, destructiva.
Genealogía
¿Cuáles son las condiciones que favorecen la aparición de la envidia?
Ya decía Aristóteles en Retórica que se envidia a un semejante, "el alfarero al alfarero". Porque es posible envidiar a un rival con el que se está en condiciones de competir, no a alguien tan inferior o tan superior que dicha asimetría vuelva imposible establecer una comparación. Y según reza el proverbio, "reina entre vecinos": el envidioso piensa que si su vecino se quiebra una pierna, él va a ser capaz de caminar mejor. En el plano discursivo, la envidia puede expresarse elogiando lo que es malo o, alternativamente, guardando silencio frente a lo bueno, porque todo aquel que elogia a otro, en su propio campo o en uno lindante, en principio se priva a sí mismo de dicho elogio (una de las razones por las cuales se acostumbra agradecer a los jurados de un concurso en el que, por su propia función, son excluidos de la nominación). Como en un sube y baja, todo elogio se pronuncia al costo de la propia reputación.
Por añadidura, el sentimiento de inferioridad es un factor esencial. El envidioso debe ser capaz de imaginarse la posibilidad de poseer el atributo deseado. Pero debe creer al mismo tiempo que ese atributo deseado está más allá de su poder y que jamás podrá ser alcanzado. Ese dispositivo imaginario se condensa mejor en un "podría haber sido mío" que en un "será mío", ya que lo deseado se encuentra próximo en la imaginación pero inalcanzable como predicción. El teórico social noruego Jon Elster sugiere que una princesa puede envidiar a una reina y las estrellas de cine a otras estrellas, pero la mayoría de los mortales no envidia ni a una ni a otras (o a lo sumo, las envidia débilmente).
La envidia, por otra parte, es una emoción que opera como en el tiro al blanco: sin un objetivo, sin una víctima, no se siente envidia. Su contrapartida puede ser la soledad del envidioso, quien no desea ser reconocido en su bajeza por el envidiado. Y hasta cualquier demostración de afecto o de amistad que éste pueda profesarle, a la espera de cierta reciprocidad y reconocimiento, puede resultar contraproducente: cuanto mayor es el afecto que se demuestra hacia el envidioso, mayor es su envidia.
Puesto que se carece de parámetros objetivos, no sociales, en el cálculo del propio valor se tiende a tomar a los otros como estándares. Cuanto más decepcionante es nuestro desempeño respecto del de nuestros pares, más disminuye la autoestima. En particular, cuando las comparaciones sociales no nos favorecen, se suele construir una imagen de sí en forma sesgada al servicio de la autoestima. Mediante este salto tramposo, se explica en parte cómo el dolor odioso de una comparación de la que se sale desfavorecido puede ser metamorfoseado en una emoción más soportable para la imagen de sí.
Tan unívoco es el mandato de ocultar(se) la envidia que suele ser reemplazada o transmutada en otras emociones. Con su talento para disfrazarse, la envidia tiene hermanastros tan tormentosos como ella misma: los celos, el resentimiento y la indignación.
Malditos celos
La envidia y los celos tienen en común que una y otros suponen algo que le importa mucho a quien envidia o siente celos. Pero mientras que en la envidia se desea lo que no se posee (deseo de obtener o de lograr algo), en cambio en los celos se manifiesta un temor de perder lo poseído (¿acaso Serrat no cantaba "no hay nada más dulce que lo que nunca he tenido, / nada más amargo, que lo que perdí"?).
Las diferencias no terminan allí: la envidia es una relación en la cual el envidioso codicia algo presuntamente poseído o logrado por el envidiado, cuando en verdad la preocupación del envidioso es que sea el otro el poseedor de algo material o no que él no tiene. Los celos, en cambio, conforman una relación triádica que involucran al celoso, al rival y al ser amado ("Las estrellas, celosas, nos mirarán pasar", poetizaban Le Pera y Gardel). El motivo de preocupación del celoso no es el rival sino el amado, aquel cuyo amor (o afecto, o alta estima) se teme perder en la medida en que un rival (las más de las veces, imaginario) puede poner en peligro la relación privilegiada y exclusiva que el amante mantiene con el amado. La imaginación es tan esencial a los celos que Proust la compara con un historiador sin documentos, pues los elementos probatorios son exigidos recién una vez que se comprende haber caído en un error (piénsese si no en Otelo, que comprende tardíamente, ante el cadáver de la fiel Desdémona, la trampa que le ha tendido un Yago ahogado en la envidia).
Aunque no es un axioma. Tanto se juegan los mecanismos imaginarios del yo que la pérdida es menos humillante si se es abandonado por un rival percibido como superior o por quien parece merecer más esa relación: cuando Camilla abandonó a su marido, el señor Parker Bowles tal vez habrá sentido que, al fin y al cabo, no era tan humillante ser desplazado por el príncipe de Gales -sin entrar a discutir los (controvertidos) méritos de Carlos- como por un jefe de oficina pedestre. Y como prueba del papel de la autoestima, en ausencia incluso de todo glamour, se señala la asimetría subjetiva sentida cuando se es abandonado por otro y cuando se es abandonado sin la sospecha de un tercero, cuando el adiós se vive con dolor pero sin celos.
El filósofo Georg Simmel distinguió un fenómeno intermedio entre la envidia y los celos: el deseo envidioso de poseer algo o a alguien, no porque sea especialmente deseable para el sujeto, sino porque es de otros; reacción emocional que puede expresarse de dos formas que reniegan, una y otra, de lo deseado: una es renunciar al objeto ("ya no me importa"). La otra forma es la indiferencia (la célebre fábula de la zorra y las uvas) o hasta una aversión al objeto ("lo odio"). Y en una u otra de sus formas, sentir horror ante el mero pensamiento de que otro pueda poseerlo ("prefiero verlo destruido antes que otro lo posea"). Simmel advertía que quien se siente abismado en un deseo envidioso puede no desear poseer el logro codiciado, y en caso de que pudiese llegar a poseerlo, ni siquiera podría disfrutarlo, pero no soporta que otro lo disfrute. Envidia el yate de uno aunque sufra de mareos y la avioneta de otro aunque sienta vértigo.
El envidioso no tiene un interés genuino en que algo valioso en poder de otra persona le sea transferido a él, aun cuando querría ver al envidiado robado, desposeído, humillado o lastimado. Si lo que envidia es el prestigio, el talento o la belleza, puede cobijar el deseo de que el envidiado pierda ese prestigio, ese talento o esa belleza, a sabiendas de que lo perdido no será de nadie. En contrapartida, dado que el envidioso sobrevalora y hasta idealiza lo envidiado, enfrentado a un disvalor o a algo que le resulta indiferente, no poseerlo no erosiona su autoestima. Más aún, si otro se destaca en una habilidad o posee un objeto escasamente valorado por el envidioso, hasta puede provocar un sentimiento opuesto a la envidia: si un amigo es campeón de truco o en el juego de tejos, puedo sentirme orgullosa de él. E incluso voy a mirar con simpatía su colección de caracoles.
Cautivos del resentimiento
Prosiguiendo la línea trazada por Simmel, Melanie Klein observa en Envidia y gratitud que el envidioso persigue destruir a su víctima en su capacidad creadora y de goce, pues no puede soportar que un otro posea algo y él no lo posea. Intenta, entonces, denigrar y hasta destruir al otro para autoafirmarse en su narcisismo.
El resentimiento posee otra naturaleza. En las esclarecedoras páginas de Resentimiento y remordimiento, es caracterizado por el psicoanalista y escritor Luis Kancyper como "el amargo y enraizado recuerdo de una injuria particular", una suerte de rencor del cual nace el deseo de venganza. A diferencia de la envidia, que procura destruir al objeto, "el impulso resentido no persigue destruir al objeto sino castigarlo", nutriéndose del deseo de recuperar una realidad imposible en la ilusión de un tiempo circular. Pero como no puede destruir al objeto, lo tiene que preservar y controlar para poder continuar vengándose de una herida narcisista y de traumas injustamente padecidos de los que intenta vengarse.
"Después... ¿qué importa el después? / Toda mi vida es el ayer que me detiene en el pasado, / eterna y vieja juventud que me ha dejado acobardado / como un pájaro sin luz", revelaba Homero Expósito, con belleza impar, una de las facetas más demoledoras de la condición humana. El peligro es que si el sujeto se queda detenido con su resentimiento a cuestas, el tiempo de ese pasado vivido como injusto anega las tres dimensiones del tiempo: el presente permanece obturado por la memoria del rencor (cerrándolo con sus frustraciones resignificadas y reactivadas una y otra vez) y el futuro obliterado, obstruido, por la pasión de la venganza.
¿La indignación dignifica?
Con el fin de poder ser aceptada por los demás y por nosotros mismos, la envidia suele mutar en otras figuras más decorosas. Puede, entre otras, metamorfosearse en indignación. Pero conviene distinguirlas: cuando la superioridad de un rival, medida según estándares objetivos, es dolorosa pero se reconoce como justa, la envidia suele enmascararse tras la retórica de la reivindicación ante una injusticia. En contraste, toda vez que sentimos que, objetivamente, nuestra desventaja es tan inmerecida como injusta la ventaja del rival, no provocará envidia sino indignación. En otras palabras, una vez que los sentimientos hostiles son legitimados, la envidia residual se transmuta en indignación, sentimiento más apropiado y aceptable para el yo privado y público. Si mi rendimiento laboral es claramente superior al de mi compañera y pese a todo, la ascienden a ella porque es la favorita del jefe, la envidia por su ascenso se trastocará en indignación. Y de allí a la autocompasión media un solo paso, ya que apiadarse de uno mismo puede ser un remedio eficaz a la hora de eliminar toda comparación envidiosa que amenace la autoestima.
Metamorfosis
Si nos sentimos inferiores por una comparación poco ventajosa, ¿por qué no terminar por rendirnos a esta realidad? ¿Por qué no sentirnos felices por la superioridad del otro y, tomándolo como modelo, inspirarnos en él? Ese pasaje se prefigura en el lenguaje. Bordelois observa que el prefijo in- de in-vidia es ambivalente, pues puede significar tanto hostilidad como también "encerrar un secreto homenaje: en el fondo, la envidia es la mensajera nocturna de la admiración". Incluso Kierkegaard, quien consideraba la estupidez y la envidia como las dos grandes fuerzas de la sociedad, observó que "la envidia es admiración oculta. Un admirador que siente que la devoción no lo puede hacer feliz elegirá transformarse en un envidioso de lo que admira".
El envidioso es impulsado por una inferioridad presuntamente inmerecida, escudado en que esa situación subalterna no refleja su verdadero valor. Pero una vez que el objeto de la envidia es percibido claramente como superior al envidioso, ese mecanismo de defensa ya no funciona y, una vez eclipsada la hostilidad, la envidia puede ceder su lugar a la admiración. La diferencia entre una y otra es la que hay entre los antagonistas en una competencia (Federer versus Nadal) y los espectadores desinteresados que contemplan el torneo, capaces de admirar a los antagonistas sin envidia.
Otra de sus metamorfosis se produce cuando la envidia, devenida primero admiración, logra transmutarse en emulación -el deseo de evitar e incluso superar las acciones ajenas-. Por tortuoso que fuera el camino, el sujeto alcanza una emoción al servicio del yo pues, quien busca hacer lo que otro hizo, ya no vive cautivo de su odio. Y si bien la emulación requiere un rival, un competidor, éste no tiene que ser visto como un enemigo, y hasta puede tratarse de un amigo cuyo ejemplo estimula el talento propio.
Pero cuando los sentimientos de admiración y emulación fracasan, la envidia se metamorfosea en vergüenza. Mientras que la primera se bifurca entre el yo y el sujeto envidiado, la vergüenza nace en un yo defectuoso que concentra su atención en sí mismo, sin la presencia necesaria de una comparación subjetiva desfavorecedora. En particular, la vergüenza emana de tres fuentes: la vergüenza de sentir envidia y su sentido de inferioridad concomitante, la vergüenza de darse cuenta de que uno es culpable de su propia inferioridad y la vergüenza de sentir vergüenza. Nos resistimos a admitir su existencia porque socialmente es censurada y porque reconocer la propia envidia significa admitir, a fin de cuentas, nuestra condición paupérrima.
Así como la admiración y la emulación constituyen una salida socialmente aceptable a la envidia, y la vergüenza supone una dosis de sinceramiento, en el otro extremo del espectro moral se descubre un sentimiento tan abyecto que ni siquiera, en nuestro idioma, contamos con un término para designarlo. Schadenfreude es una palabra del idioma alemán que designa el sentimiento oculto de regocijo ante el sufrimiento o la infelicidad de otro.
Políticamente correctos
La antigua, rastrera e inequívoca palabra "envidia", que designa un proceso secreto y silencioso no siempre verificable, suele ocultarse tras la fachada más decorosa y políticamente correcta del "conflicto", conducta abierta y práctica socialmente aceptada. ¿Cuál es la diferencia que desautoriza a una y legitima al otro? Mientras que toda vez que aludo a la envidia debo aceptar que uno de los contrincantes es consciente de su inferioridad frente al otro, en cambio, cuando me dirijo a dos o más personas o grupos en conflicto, no necesito determinar quién es inferior.
Quizá fue la predilección de los sociólogos por los fenómenos observables la que condujo a la sustitución de la envidia por el concepto de "conflicto", empobreciendo numerosos aspectos de las relaciones sociales y humanas explicables en términos de envidia -una emoción muy primaria- pero no de conflicto. Se ha dicho, no obstante, que la sociología de la envidia pasa por alto que, entre el envidioso y el envidiado, no tiene por qué haber conflicto: lo irritante para el envidioso y lo que aumenta su envidia es su incapacidad para provocar un conflicto abierto con el objeto de su envidia.
Furia inmortal
Para distinguir la envidia justificable de la que no lo es, se distinguió entre la envidia a secas y la envidia "sana". Yo puedo envidiar sanamente el talento musical de una amiga, y ni remotamente deseo que pierda ese talento. Y en muchos otros casos de envidia "sana", las acciones del sujeto se dirigen a asegurar lo deseado para sí mismo, más que a minar al rival. Esas actitudes probarían la posibilidad de sentir una envidia exenta de connotaciones negativas.
A fin de cuentas, si nos detenemos en sus aspectos más benévolos, podemos tender sobre todas estas emociones indignas un manto de piedad: los celos son un mecanismo afectivo para preservar relaciones excepcionales y la indignación restablece momentáneamente la imagen del yo. Una envidia moderada ofrece una salida a la depresión, una ocasión para crecer y cierta esperanza en superar los obstáculos. Y hasta la envidia destructiva puede ser metamorfoseada en una competencia honorable y constructiva. No sólo eso: se ha dicho que la envidia conduce, en el espacio macrosocial, a un reclamo de justicia, a un igual tratamiento para todos: si uno no puede ser el favorito, nadie lo será. Un club de fans, por poner un ejemplo elemental, expresaría una acción común basada en que nadie puede tener al ídolo. Y hasta la solidaridad en la que se renuncia a un bien para que pueda ser compartido con otros ha sido vista como el efecto de una mutación forzada de la hostilidad original.
Por su historial deplorable, la envidia es una de las emociones más silenciadas de la condición humana. Y si se la desea analizar en su abismal profundidad, como se examina, en una suerte de vivisección existencial, un órgano con un escalpelo, se descubre que cuanto más oculta, más fascinante. El novelista Laurence Sterne ironizó cáusticamente que "la muerte cierra tras de sí la puerta de la envidia y abre la de la fama". Y mucho antes Aristóteles había sentenciado, a modo de consuelo escatológico, que los muertos ya no son nuestros rivales. Hasta solemos consagrarles todos los honores escatimados en vida mientras silenciamos sus vicios y miserias. Pero nada de lo pavoroso parece ajeno a lo humano. ¿Acaso la envidia de los muertos, rondando como espectros, no puede continuar acechando el reino de los vivos, perseguidos en la intimidad de su conciencia por esa furia inmortal que triunfa sobre el tiempo y la finitud?
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sábado, 9 de enero de 2010
SEFARDÍES, LOS OTROS HIJOS DEL IMPERIO
El Mundo, Blogs, Madrid, España, 08Ene10
Foto: Página del periódico 'El amaneser'.
FRAN MARTÍNEZ desde Estambul
En la medianoche del 2 de agosto de 1492 Cristóbal Colón partía para América y los judíos debían convertirse al catolicismo o abandonar España (a los conversos se les llamó 'marranos', de ahí el adjetivo). Enero de 2010, de los 1500 españoles registrados en el consulado de Estambul, 800 son sefardíes que han recuperado la nacionalidad arrebatada hace 500 años.
"Vosotros decís que Fernando es un rey sabio, él que desterrando a los judíos ha empobrecido a su país y enriquecido el nuestro", sentenció el Sultán Beyazid II al recibir a los judíos. Unas 120.000 personas abandonaron España entonces, de los cuales 90.000 llegaron a territorio de la sublime puerta. Además de la primera imprenta del Imperio Otomano, los Sefardíes trajeron con ellos su cultura y su lengua, el ladino (o judeo-español), un castellano arcaico que todavía hablan unas 150.000 personas en el mundo. "El idioma es un puente entre los sefardís del mundo además de una herramienta para acceder a un gran legado cultural, sobre todo de cantigas y refranes", defiende Naim Güleryüz, director del museo judío de Estambul.
A pesar de llegar a ciudades grandes como Salónica, Estambul o Ízmir, los sefardíes se instalaron en comunidades pequeñas y cerradas, lo que les permitió conservar su idioma dentro del Imperio Otomano. Las comunidades se establecían según el lugar de procedencia, colocándole a la sinagoga el nombre de la ciudad que habían dejado en España: Toledo, Girona, Málaga.
Cerca de 21.000 sefardíes siguen viviendo en Turquía, muchas de estas personas todavía guardan en el apellido los lugares que abandonaron: Navarro, Córdoba, Mayor, Soria, Pinto... No todos hablan ladino, pero en los últimos años han surgido varios proyectos para la recuperación del judeo-español, como el Centro turco-otomano de investigación de la cultura sefardí y los periódicos 'Shalom' y 'El amaneser', auspiciados por la iniciativa de Karen Gerson Sarhon.
"El ladino era el idioma utilizado por los judíos para traducir la Torá. Traducían palabra por palabra del texto sagrado al castellano; este fue el origen del judeo-español, porque con los siglos ha evolucionado, cogiendo palabras de diferentes culturas pero manteniendo la estructura del castellano.
Por ejemplo, nosotros decimos Cuchara y Cuchillo, al igual que en España, pero para referirnos al tenedor utilizamos la palabra griega 'pilon', porque cuando abandonamos la península todavía no existían los tenedores", nos cuenta Gerson Sarhon.
Tras estudiar español en el Instituto Cervantes, Ilona asiste ahora a clases particulares, "Para mí es algo nostálgico, mi abuela sólo hablaba judeo-español y de alguna manera quiero conocer mis raíces", nos confiesa, "somos diferentes de otras comunidades judías, somos más alegres, más mediterráneos", añade con una sonrisa. "El judeo-español tenía una función identitaria, pero ya no es así, porque nadie lo habla en su casa. Perdió está función y quedó como algo nostálgico", confiesa la directora del periódico Shalom.
En el s. XIX Algunas comunidades sefardíes –sobre todo las de Marruecos- intentaron que el Estado español asumiera una tarea de re-españolización de los antiguos exiliados, abriendo escuelas y centros de enseñanza superior que contrarrestaran la influencia del francés. La iniciativa no tuvo mucho éxito entonces, pero años más tarde, durante la disolución del Imperio otomano, la comunidad sefardí turca presionó para obtener el derecho a recuperar la ciudadanía española. Esta vez sí lo consiguieron, y Miguel Primo de Rivera aprobó en 1924 un decreto por el que cerca de 40.000 judíos salvarían la vida en las décadas siguientes.
El judeo-español fue sustituido por el francés como lengua franca de la comunidad por la influencia del movimiento sionista; la instauración de la República turca de Ataturk supuso el golpe de gracia al idioma. "Esta fue la última generación que habló judeo-español en las casas. Por ejemplo, mi padre, que nació en 1921, sólo aprendió turco cuando fue al servicio militar. En la generación actual es impensable algo así", y añade Gerson Sarhon, "Con la apertura del Cervantes la comunidad está aprendiendo español moderno; también es positivo, porque igualmente tendrán acceso al legado de sus antepasados".
"Vivimos en este país desde hace 700 años, ahora somos turcos de religión judía. La ley del país en el que vives es tu ley", concluye Güleryüz. "Igual que la Real Academia de la lengua está recogiendo expresiones latinoamericanas para incluirlas en un gran diccionario del castellano, estaría bien que contara también con las variantes del judeo-español", lanza Karen Gerson, directora del centro para la investigación de la cultura sefardí, quien acaba reconociendo: "cuando voy a España me siento como en casa; los mismos gestos, las mismas expresiones de la cara... curioso, después de 500 años".
sábado, 2 de enero de 2010
MITOS URBANOS Y LITERARIOS: UN SUEÑO POBLADO DE FANTASMAS
La Nación, adnCultura, Buenos Aires, Argentina, 02Ene10
Los Ángeles debe buena parte de su aura y de las fantasías que despierta su nombre a las descripciones que Raymond Chandler hizo de sus calles y habitantes. Quien la recorra descubrirá que el encanto de la ciudad nace de la mirada con que el novelista la recreó
Foto:1)Raymond Chandler, de archivo.2)L. A. Avenidas y edificios sacudidos por los cuerpos electrizados de los ciudadanos Foto: BETTMANN / CORBIS.
Por Jonathan Lethem
Corriere della Sera - 2009
En el comienzo de La dama del lago , Raymond Chandler escribe: "El Treloar Building se encontraba, y se encuentra aún hoy, en Olive Street, cerca de la Sexta, en el West Side. La acera de enfrente estaba hecha con bloques de goma blanca y negra. Ahora los estaban quitando para devolverlos a la municipalidad y un hombre pálido y sin sombrero, con una cara de custodio del edificio, miraba cómo trabajaban. Y tenía la mirada de alguien al que le estuvieran destrozando el corazón".
Los Ángeles como Utopía -veredas de goma- perennemente en peligro de ser desmontada y fundida y reconvertida en automóviles o pistolas. Si el puesto que espera de derecho a California en la historia estadounidense corresponde al de destino, al de meta -por lo tanto, a la vez, un fin-, es también el punto de llegada de un viaje de sueño, antes de hundirse en el abismo del Pacífico, donde los horizontes de gloria se convierten en horizontes de angustia. Y entonces Los Ángeles es un bluff , una propuesta que no se sostiene, un lugar construido tan velozmente que los nervios de todos están aún sacudidos por la aparición en escena de la ciudad y por la obligación de fingir que existe de verdad.
Noten la primera duda de Chandler -el Treloar "se encontraba y se encuentra aún hoy en Olive Street", ¿quizá sus lectores temían que el edificio se hubiera movido? Y ya que estamos, ¿quién es el hombre pálido y sin sombrero que observa los trabajos? Se lo describe tan sólo como alguien con una "cara" de portero, aunque no hay nada que le impida ser de verdad el portero del edificio. Y aún más importante, quizás es el hombre que describe a este hombre: el hombre que mira, la presencia Chandler-Marlowe que tiñe la escena con una sombra invisible en un modo omnipresente pero no revelado.
¿Por qué le interesan tanto el Treloar y la acera de goma? Difícil decirlo. En Chandler el estilo hard boiled se convierte sobre todo en un modo de observar, no muy diferente del de una máquina fotográfica.
La facilidad con la que Philip Marlowe cruza los límites, el pasaje constante de las escenas de amor a las de trompadas y a los homicidios que llenan los libros de Chandler lo asemejan a una máquina fotográfica. O a un fantasma. En sus misteriosas apariciones, Marlowe se convierte en una presencia cuyos movimientos, aunque momentáneamente sometidos al poder de los policías o de los deseos humanos, están en última instancia vinculados a aquéllos de un modo demasiado frágil, como si esos poderes fueran tan sólo breves contratiempos.
"Marlowe-un-delito-por-día" tiene siempre una cita que respetar, un cuarto o una calle que ocupar en su insomne catálogo de la fugacidad de los asuntos humanos. Y ya que así es Los Ángeles, esto que él observa en la luz enceguecedora, como de flash de magnesio, la luz alucinada y visionaria del sol, también es la falsa permanencia de los lugares que estas vidas humanas han terminado por ocupar y la falsa indiferencia de estos lugares por las catástrofes humanas representadas entre esos muros y esos límites.
Si la arquitectura es destino, entonces el de Marlowe es registrar el elenco de los destinos reflexivos de Los Ángeles. Las fatales, espléndidas ficciones de glamour y serenidad, las historias falsas que son reevocadas en los estúpidos cócteles.
Remover los esqueletos de los muertos y de los vivos, como ha hecho Catherine Corman en su catálogo tan evocativo de lugares hechizados, hace que el poder de observación de Chandler sea aún más urgente y terrible: esas calles, que, como estos edificios, han sido construidas para dar un orden a nuestras soledades, para evitar que se apilaran, insoportablemente, una sobre la otra, están haciendo de todo para olvidarnos.
¿Y, finalmente, qué es un fantasma?, ¿una especie de portero? Al menos hasta que esos lugares no sean desmontados y reciclados como automóviles y pistolas.
[Traducción: Hugo Beccacece]
jueves, 31 de diciembre de 2009
La Nación, Buenos Aires, Argentina, 31Dic09
Multitudes en las librerías y museos, el tango reconocido, los vampiros best sellers y el éxito de Warhol marcaron el año
FOTO: En diciembre, durante la Noche de las Librerías, los locales de la avenida Corrientes recibieron visitantes hasta la madrugada
Como refugio en tiempos turbulentos, la cultura fue en 2009 un espacio para el encuentro colectivo y para revalorizar el patrimonio común. Una inquietud, sin embargo, quedó pendiente: la necesidad de apoyar con más recursos al área y de hacer que la cultura llegue a sectores sociales cada vez más diversos.
LA NACION sintetiza aquí las diez noticias de la cultura 2009.
1) Cultura en las calles
En 2009, las calles porteñas reafirmaron su importancia como espacios para vivir la cultura. Con asistencia récord en todos los casos, la Noche de los Museos, la de las Disquerías y de las Librerías, la Semana del Arte y las citas mensuales de Gallery Nights fueron encuentros cada vez más convocantes y extendidos en más barrios porteños.
2) El tango es de todos
En septiembre, en Abu Dhabi, el gobierno de la ciudad de Buenos Aires obtuvo uno de sus más preciados logros, con la declaración del tango como Patrimonio Cultural e Intangible de la Humanidad, reconocido por la Unesco. Presentado como una candidatura binacional por la Argentina y Uruguay, las ciudades de Buenos Aires y Montevideo motorizaron la iniciativa y lo celebraron con milongas al aire libre a ambos lados del Río de la Plata.
3) La novela del Siqueiros
Luego de un infortunio de más de 17 años, el mural Ejercicio plástico , del artista mexicano David Alfaro Siqueiros, recuperó su esplendor tras la restauración que condujo el maestro Manuel Serrano con el equipo de restauradores de la Escuela Taller de la Universidad Nacional de San Martín. El milagro fue posible merced al aporte de empresarios argentinos y mexicanos y del Estado nacional. Sin embargo, sobre el brindis de fin de año, los propietarios del mural, cedido en préstamo al gobierno nacional para su exhibición durante el Bicentenario, presentaron una demanda para calificar de inconstitucional la ley de expropiación promulgada en noviembre pasado. El destino del mural vuelve a ser incierto.
4) Warhol atrae multitudes
El genial artista pop reinó en Buenos Aires. Desde el 23 de octubre, Andy Warhol, Mr America , la primera retrospectiva del norteamericano en el país, en el Malba, atrajo a 100.000 visitantes. Son 170 obras, que pueden verse hasta el 22 de febrero, y que en estos meses que vienen se extenderán a un ciclo de cine, cursos y actividades para chicos. Para reafirmar mundialmente la vigencia del creador del arte pop, en noviembre, 200 One Dollar Bills , un cuadro de Warhol, se vendió por 43,8 millones de dólares en una subasta en Sotheby´s de Nueva York, más de tres veces el máximo previamente estimado.
5) Empezó el Bicentenario
El gobierno porteño se anticipó a la gran celebración de 2010 y promovió desde el 25 de Mayo varias acciones culturales, que incluyeron la inauguración de 40 murales en distintos espacios de la ciudad, medallas a vecinos ejemplares, la recuperación del Faro del Barolo y recitales varios. Al borde del año, la presidenta Cristina Kirchner se sumó para anunciar un amplio programa de festejos, para el que se invertirán 160 millones de dólares.
6) Vampiros best sellers
Desde el verano y durante el año, la escritora norteamericana Stephenie Meyer superó a la hiperfamosa y archimillonaria J. K. Rowling -creadora del hasta ahora invencible Harry Potter- con su serie sobre vampiros adolescentes que ha sembrado el mundo con clubes de fanáticos de Crepúsculo . Con millones de ejemplares vendidos y libros en serie escritos con todos los condimentos del marketing, Meyer demostró que los vampiros enamorados tienen todavía mucho para dar de sí.
7) Anticipo en Fráncfort
Con el lema "Argentina, cultura en movimiento", el país presentó en octubre en Alemania la propuesta que este año deberá materializar como país invitado de honor en la poderosa Feria del Libro de Fráncfort. Los ojos del mundo editorial empezaron este año a mirar a nuestro país, y lo harán hasta octubre, cuando a la ciudad alemana viajen unos 60 escritores y muchos más editores argentinos y se instale un pabellón que debe resumir y presentar la cultura argentina.
8) Despedidas
Varias personalidades de las letras y el pensamiento fallecieron en 2009. Entre otros, el 30 de octubre murió el antropólogo francés Claude Lévi-Strauss, a los 100 años. También el poeta uruguayo Mario Benedetti y el escritor español Francisco Ayala. En la Argentina, el adiós al historiador Félix Luna, en noviembre, revalorizó su aporte a una mirada conciliadora sobre el pasado, en un año marcado por las turbulencias políticas.
9) El año del e-book
En muchos países, los e-books y los soportes para leerlos -como el Kindle, de Amazon, y el Daily Edition, de Sony- se instalaron en el mercado y obligaron a las editoriales a repensar sus estrategias de venta. A la Argentina, dicen los expertos, llegarán el año que viene. Aquí, en tanto, los editores están más interesados en la aprobación de la ley del libro, con media sanción en Diputados, que promueve subsidios para la industria.
10) Entra Coscia
En julio fue designado Jorge Coscia secretario de Cultura de la Nación, en el lugar que ocupaba José Nun. "Hay que politizar la cultura y utilizar la política", dijo Coscia, ex diputado nacional y ex presidente del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales. Al mismo tiempo, intelectuales y gestores culturales reclamaban más presupuesto para el área, coordinar políticas culturales con las educativas y mayor interés por promover la inclusión social desde la cultura.
domingo, 20 de diciembre de 2009
REPORTAJE: "DENLE CALZONCILLOS AL CHICO"
El País, Madrid, España, 21Dic09
Una exposición en Moscú reúne 19 láminas de desnudos anotadas por Stalin
PILAR BONET - Moscú -
Con un peculiar sentido del humor, Stalin escribió comentarios de su puño y letra sobre reproducciones de desnudos dibujados por artistas rusos del siglo XIX y principios del XX. Un conjunto de 19 láminas anotadas y firmadas por el dictador (representando a 17 figuras masculinas y 3 femeninas) integran la exposición Los mensajes del líder, autógrafos de Stalin. Esta extraña muestra se expone en una de las salas moscovitas del galerista Marat Gelman. Permanecerá abierta una semana (del 17 al 24 de diciembre) y coincide con el 150 aniversario del nacimiento del dirigente soviético, que se celebra hoy lunes.
"No hay pruebas de que Stalin se interesara por el dibujo como arte. Los textos arrojan pistas sobre su personalidad y muestran que nada de lo humano le era ajeno", dice Yuri Pankov, director de la editorial El Autógrafo del Siglo y uno de los organizadores de la exposición. Según él, también reflejan actitudes ideológicas y eróticas. Las anotaciones, escritas probablemente en compañía de otros "camaradas", invitan a reflexionar sobre las aficiones y gustos del ex seminarista georgiano que llegó a liderar la transformación de la URSS en una gran potencia. "No te sientes con el culo desnudo en la piedra. Ve al Komsomol (juventudes comunistas) o a la rabfak (universidad obrera)", escribe en lápiz rojo junto a la imagen de un muchacho desnudo de Valentín Serov (1865-1911), y abajo, en lápiz negro: "Denle calzoncillos al chico".
El nombre del propietario de la colección es un secreto bien guardado. Pankov cuenta que el actual dueño es un coleccionista ruso que la ha comprado a la familia de un antiguo funcionario de los servicios secretos, presuntamente miembro de la escolta del líder y con acceso a la dacha del dictador en Moscú.
A fines de los años cuarenta, algunos altos oficiales de seguridad, incluido el general jefe de la escolta, fueron juzgados y fusilados.
Entre los episodios que se les incriminaba estaba el haber aprovechado la ausencia de Stalin para organizar francachelas con prostitutas en una dacha que entonces estaba situada en las afueras de Moscú. En época de Nikita Jruschov, la dacha en cuestión estuvo muy abandonada y no se excluye que los oficiales de los servicios de seguridad se llevaran recuerdos personales de Stalin, entre ellos un álbum conteniendo las láminas anotadas. "El Estado tenía sus fondos secretos y la gente también", señala Pankov.
Los propietarios originales de las láminas las vendieron en 2008 "por necesidades económicas" y "no tenían una idea de cuál podía ser el precio". La compra por un coleccionista local evita que los autógrafos y notas de Stalin vayan a parar a casas de subasta extranjeras, señala Pankov, según el cual los dibujos datarían de los años cuarenta.
Stalin utiliza la exclamación "je, je" en una nota alusiva al dirigente comunista Mijaíl Kalinin. "¿Por qué estás tan flaco Mijaíl Ivanich? / Trabajo / El anonismo (por onanismo) no es trabajo. / Dedicate al marxismo, /je-je". Este comentario en rojo acompaña la figura de un anciano, cuyos genitales han sido contorneados por el mismo lápiz.
Junto a la imagen de un fornido modelo masculino, Stalin escribe: "Pelirrojo bribón Rádek, si no hubieras orinado cara al viento, si no hubieras sido malo, estarías vivo". El texto alude a Karl Rádek, uno de los autores de la constitución de 1936, procesado en 1937 y asesinado en la cárcel por agentes del KGB en 1939. En un dibujo de Valentín Serov, en el que se ve una mujer yaciendo en el suelo y un hombre de pie rascándose la cabeza en actitud dubitativa, figura el texto: "imbécil!!! Se olvidó completamente de qué hacer". "Un idiota pensativo es peor que 10 enemigos", reza otro texto. Según Pankov, un par de anotaciones -en georgiano con grafía cirílica- son expresiones obscenas.
La muestra es custodiada por la policía en previsión de posibles incidentes. En el pasado, los polémicos proyectos del galerista Marat Gelman han suscitado reacciones viscerales y hasta violentas.
LA NAVIDAD SE HACE OBRA DE ARTE EN LOS PESEBRES
La Nación, Buenos Aires, Argentina, 20Dic09
Cuatro museos porteños exhiben nacimientos e íconos religiosos
FOTO: El Museo Larreta muestra pesebres peruanos y retablos hechos con cerámica, piedra, madera y barro Foto: Hernán Zenteno.
Laura Casanovas
LA NACION
La Navidad también se puede vivir a través del arte. Es la consigna que por estos días recorre la ciudad de Buenos Aires, que ofrece varias exposiciones en distintos museos, para reflexionar sobre esta fecha del calendario religioso por medio de distintos estilos artísticos, materiales, épocas y técnicas. Las figuras en barro de rasgos aborígenes del pesebre del artista peruano Edilberto Mérida tienen los pies y las manos demasiado grandes en relación con el resto de su cuerpo. Sucede que con los pies "se aferran a la tierra, que es lo único que los ha mantenido vivos" y sus manos "tienen la forma desesperada del ruego", según palabras del artista que se reproducen en la muestra.
Es uno de los pesebres que integran la destacada exposición "Nacimientos peruanos. Manos artesanas celebran la Navidad", que se puede ver hasta fines de enero en el Museo de Arte Español Enrique Larreta (Avda. Juramento 2291). También hay retablos y distintas figuras vinculadas con la Navidad realizadas con hilos, cerámica, piedra, madera y otros materiales.
La exposición reúne más de 80 piezas contemporáneas de las regiones de la costa y la sierra del Perú, pertenecientes a dos coleccionistas argentinos, que permiten ver cómo cada artista toma las escenas y figuras que remiten a la fecha religiosa y les imprimen su particular estilo que, a su vez, tiene características propias del lugar, ya sea en las vestimentas, los oficios laborales de los Reyes Magos o los alimentos que le acercaron al recién nacido niño Jesús (chicha, maíz, papa).
Al respecto, las pequeñas esculturas de Hilario Mendívil, como la de la Virgen o los Reyes, tienen un cuello muy alargado por inspirarse en la forma de la vicuña. También forman parte de la muestra dos nacimientos del siglo XIX con rasgos más europeos. "Se atribuye la creación del pesebre a San Francisco de Asís, en el siglo XIII.
En el siglo XVIII, tuvo una gran difusión, que está muy de acuerdo con el espíritu festivo de esa época, cuya máxima expresión son los pesebres napolitanos que llegaron a tener miles de figuras. También se difundió entonces por España y otras partes de Europa", explicó el historiador del arte Héctor Schenone, quien rescató las piezas de un nacimiento napolitano que guarda aquí el Museo Nacional de Arte Decorativo.
Schenone contó a LA NACION que el pesebre es una manifestación bien popular en la cual se expresa la alegría de la celebración. Y señaló que en América se siguió la tradición de manera artesanal y casera.
Tres iglesias
En el Museo de Arte Popular José Hernández (Avda. del Libertador 2373) tiene lugar el IX Encuentro de Iconografía Argentina, con pinturas realizadas por artistas de distintos talleres del país vinculados con las iglesias rusa, griega y católica. Se puede visitar hasta el 3 de enero.
El ícono es una pintura sacra con una técnica particular que nació en el Oriente bizantino. Los 106 cuadros exhibidos están realizados con pintura al temple (yema de huevos y pigmentos naturales) y representan las escenas de la Natividad, la Virgen y el Niño, la figura del Cristo Pantocrátor y de la Santísima Trinidad.
"El ícono es plano y se va del oscuro al claro, y la claridad se obtiene a través de sucesivas capas de pinturas", comentó el padre Hernán Pérez Etchepare, que ya hace varios años que convoca a este encuentro que acerca a las iglesias.
También hay pesebres y pinturas en el Museo de Arte Hispanoamericano Fernández Blanco (Suipacha 1422), que son parte del patrimonio de la institución. Estos "nacimientos", "pesebres" o "belenes" se podrán ver hasta marzo del próximo año.
Más de estas representaciones que remiten al misterio de la Navidad se exhiben en el Museo de Esculturas Luis Perlotti (Pujol 644). Se trata de las obras seleccionadas y premiadas en el XIII Certamen de Pesebres Escultóricos, convocatoria que realiza todos los años la institución para mantener viva la tradición del pesebre navideño.
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